HILAL BELLY DANCERS

Dance first.

2011-12-26T08:29:00.001-08:00

NOCHE ÁMBAR

2011-12-18T13:54:00.000-08:00

Sera Solstice: 8 months pregnant, "Mothers Blessing" a birthing dance to...

2011-12-16T18:20:00.000-08:00

Baila o Disparo 2009 - dance or do you shoot

2011-11-25T12:12:00.000-08:00

Porque también bailamos con conciencia social...

Deep Forest Deep Blue Sea / Media Luna

2011-11-21T14:03:00.000-08:00

LOTUS, by Anny Leiva

2011-10-23T11:22:00.000-07:00

Necesitamos muchas vidas, revestirnos de múltiples cuerpos, nacer y morir y volver a nacer muchas veces para llegar al fin último de la perfección que es el que los dioses nos reservan. Esta ley de vidas sucesivas da la adecuada explicación a todas las desiguales manifestaciones de nuestra existencia.

Pitágoras (582 adC - 500 adC.)

"La reencarnación nos hace eternos"

Celebración de la Vida

2011-09-28T08:46:00.000-07:00

La danza del vientre, originalmente, era un ritual de preparación para el parto. Las mujeres bailaban descalzas, para conectarse con la Madre Tierra. Todos los movimientos que realizaban, las preparaban para ese momento. Durante el parto, otras mujeres bailaban a su alrededor, mientras la madre daba a luz a su bebé, de cuclillas, en la tierra. Actualmente, la danza del vientre se recomienda como terapia post-parto.

Al bailar, nos conectamos con nuestra feminidad, con nosotras mismas, con las mujeres que nos precedieron y con los seres a los que daremos la Vida. La danza es una celebración de la Vida.

Historia de la danza

2011-09-15T10:49:00.000-07:00

Cultura de la Danza Oriental (Yearning- raul ferrando)

2011-09-15T10:27:00.000-07:00

Belly Dance Historia

2011-09-15T10:17:00.000-07:00

LOTUS - FAR 2011

2011-08-10T18:01:00.000-07:00

Danza oriental y embarazo

2011-08-04T14:32:00.000-07:00

LOTUS - FAR 2011

2011-08-02T07:42:00.000-07:00

LOTUS, en el Festival de Artes Rítmicas 2011
Martes 9 de agosto, 6:30 p.m.
Teatro Melico Salazar

CAFÉ ÁRABE

2011-06-12T12:11:00.000-07:00

LOTUS en el Lobo Estepario

2011-06-08T08:58:00.000-07:00

LOTUS

2011-05-19T20:08:00.001-07:00

LOTUS

2011-05-19T19:59:00.001-07:00

LOTUS

2011-03-28T13:37:00.000-07:00

Los invitamos a disfrutar de nuestra próxima coreografía: LOTUS, en el Festival de Artes Árabes, en el Anfiteatro del CENAC, el próximo sábado 16 de abril a las 11:38 a.m.

Los egipcios enseñaban la reencarnación ya 3,000 años antes de nuestra era, con estas palabras:

"Antes de nacer, el niño ha vivido ya y la muerte no termina en la nada. La Vida es un devenir, que transcurre semejante a un día de sol, que recomenzará".

Estilo turco

2011-03-23T14:40:00.000-07:00

La danza del vientre es muy antigua en esa parte del mundo que hoy llamamos Turquía. Fué preservada durante la Edad media en los harems del Imperio de Ottoman y las danzas sociales de la gente todos los días. Ésta danza ha sido fuertemente influenciada por los gitanos así como de antiguos dioses de diversas culturas.

En Turquía, particularmente en las cortes de los Caliph en Bagdad, la danza fue protegida y consolidada. Este período se refiere como la "edad de oro" de la música árabe. La música y la danza eran artísticas, creativas, y disfrutadas en el alma humana. Las escalas y los modos complicados del musical fueron producidos durante esta edad, y siguen siendo en gran parte iguales a hoy. Egipto sigue siendo hoy el trendsetter principal para vestirse y la presentación de la danza oriental, pero el bailar de vientre de estilo turco, ha desarrollado un sabor único y propio.

La música tiene básicamente los mismos ritmos, pero utiliza a menudo los ritmos que no lo hace la música egipcia, por ejemplo el chiftetelli y el karsilama (también conocidos como kashlimar). Chiftetelli es lento y se presta a las danzas del velo que fluyen, a los movimientos de brazos ondulantes, y al trabajo de piso sensual. Puede ser considerado la contraparte al taksim egipcio, la música improvisada juega entre las varias partes de una rutina más larga. El karsilama es un 9/8, ritmo inusual del golpe, contando 9 golpes a la medida. La música egipcia nunca utiliza este ritmo. Solía tomarse reconocimiento del ritmo karsilama y al bailarlo expresar sentimientos pero es un poco engañoso.

La instrumentación turca también varía de la música egipcia. El bouzouki se juega en vez del oud (el antepasado del laúd y de la guitarra). Más instrumentos de viento se utilizan, por ejemplo, el clarinete.

Una rutina turca es en cinco porciones: una abertura emocionante que es acompañada aprisa y generalmente por el bailarín que juega con los zils (crótalos o chinchines) término turco para los platillos de dedo (la palabra egipcia para los cymbals del dedo es sagat). La segunda parte es a menudo un chiftetelli seguido por una tercera canción que sea también animada. La cuarta parte es generalmente un tambor rápido para el solo, y la conclusión es feliz, incorporando de nuevo el uso de los zils.

La manera de jugar con los zils en el estilo turco es diferente del estilo árabe. Por ejemplo, se cuenta el patrón más básico del: 1-2-3; en el estilo árabe, si eres derecha(o), seguiras este patrón: Derecho-Izquierdo-Derecho. En estilo turco se usa este patrón: Derecho-Derecho-Izquierdo. Quizá en este patrón simple, la diferencia es de menor importancia, pero hay un impacto definido cuando se juega con patrones más complicados.

Movimientos: usa los movimientos y técnicas del belly dance clásico, generalmente más enérgico, ostentoso y fuerte que los otros estilos de la danza del vientre. El uso en los dedos en los crótalos (zills) es comunmente más atlético en los movimientos. El trabajo de piso es común igualmente y algunas veces usado. La expresión de sensualidad ha sido algo sobre los tiempos, especialmente en los performances de danzas turcas en nightclubs de los años 70's y 80's.

Música: En nightclubs turcos, el performance de la bailarina de largas orquestas que tocan música árabe, a menudo con un instinto gitano es más rápido y enérgico. Existen variedad de instrumentos incluidos los dumbeks (tambores árabes de mano), violines, ouds, teclados, oboes, y clarinetes. Un performance típico puede durar 30 minutos o más, conteniendo variedad de tiempos, ritmos y melodías. Algunos estilos modernos de música turca pueden incluir elementos de música electrónica.

Trajes: Especialmente en los 70's y 80's, fueron notorios por su tamaño y sex-appeal. Es usual el típico top o brassiere decorado, la falda del bellydance con cinturón. Sin embargo, a manudo las faldas están hechas con menos fabricación que para el cabaret o el egipcio y muestran más en el cuerpo de la bailarina. Cinturones decorados son los más comunes y existen accesorios para hacer juego, tales como collares, brazaletes de brazos y tobillo, zarcillos y piezas para la cabeza (testeras). Las telas escarpadas se utilizan generalmente en la falda y los trajes tienen a menudo recortes en las correas o en el bra/top. Tipicamente el look de una bailarina de estilo turco es, sexy, juguetón y ligón.

En años recientes, el bellydance turco y sus trajes han descendido en notoriedad de los 70's y 80's. Como muchos otros estilos de bellydance, éste continúa envolviendo nuevos elementos a las interpretaciones de movimientos, música y vestimenta.

Tomado del blog: www.mispiesdescalzos.blogspot.com

Danza Oriental Libanesa

2011-03-10T13:01:00.000-08:00

El Líbano, junto a Egipto es la cuna de la danza oriental tal como la conocemos hoy en día. Aunque son estilos muy parecidos, los diferencian matices importantes. La música libanesa tiene un sello propio, y también la actuación de las bailarinas.

La danza en Líbano está muy enfocada al cabaret oriental y a la espectacularidad de su puesta en escena. Rara vez verás a una bailarina libanesa bailar descalza. Subidas en altísimos zapatos de tacón, con un dos piezas sembrado de lentejuelas y flecos, las libanesas son sin duda las reinas del glamour. Brazos muy arriba para mostrar cuerpos esculturales, mucho velo y percusión. El espectáculo y la estética están más cercanos a occidente que en Egipto.

La bailarina egipcia es más natural, más popular, más divertida. Las bailarinas libanesas son puro espectáculo.

El Dabke: Es el tipo de baile que se ejecuta marcando el ritmo musical con los pies, punteando y realizando diferentes combinaciones de zapateo. Se realiza en largas filas de personas entrelazadas y se baila generalmente entre hombres y mujeres. Representa además la fuerza, la unión, la cooperación y el afianzamiento a la propia tierra.

Este baile folclórico es oriundo de Siria y Líbano y con algunas variantes se baila también en Irak.

La ropa más tradicional del Dabke es: para los hombres, unos pantalones babucha con un sobrante de tela que queda como una acordeón entre las piernas, que se llama Charwel; una camisa amplia y un chaleco estilo torero, con botas, y el Agal, pañuelo triangular sujetado con un cordón alrededor de la cabeza.

Y para la mujer: una falda acampanada, con calzones largos, una blusa de mangas largas y cerradas hasta el cuello, un pañuelo en la cabeza estilo valenciana, zapatos y el pelo trenzado en dos partes. A veces usan también un delantal, propio de las mujeres del campo.

WE'RE BACK

2011-02-04T10:52:00.000-08:00

COMING SOON...

Bailar con los ojos

2009-09-18T09:31:00.000-07:00

Cuando se dice la frase "no bailo pero ni con los ojos", es porque no se está tomando en cuenta que existe una danza en la que sí se baila con los ojos: la danza hindú odissi.

En mi primera clase de danza hindú odissi, me sorprendí como la profesora, Andrea Vargas, nos ponía a practicar movimientos con los ojos, mirando de un lado al otro, con coquetería. Luego se fue complicando cuando había que combinarlo con movimiento de escápulas, pose de cadera, brazos en la cintura y golpes con los pies: requiere concentración. Pero como todo en esta Vida, es cuestión de práctica. En fin, me parece que es una danza bellísima, femenina, sensual... y me encanta que cada pose tenga un significado, para contar una historia. Y para esta amante de las letras, no hay mejor combinación. Es un buen complemento para el belly dance, pero, aunque se tenga la soltura que da esta danza, no es nada fácil, pero sí un muy buen reto.

Andrea Vargas, instructora de Danza Hindú

Aquí una breve reseña:

Las danzas clásicas de la India evolucionaron como una expresión espiritual de devoción al ser superior. La danza Odissi forma parte de la danza antigua clásica de la India, conocida por su gracia y sensualidad. Combina el relato de una historia y danza pura con movimientos líricos, con complejo cruce de piernas y poses esculturales. Una presentación de danza Odissi es una poesía visual.

Se originó en los templos del estado de Orissa en el oriente de la India, que fueron grandes centros de arte, cultura y aprendizaje. La danza representaba un modo de rezar con bailarines y músicos dedicados al Dios Jagannath, la deidad que presidía.

La forma actual de la danza Odissi es una extensión de esta antigua tradición. La quinta esencia de la Odissi como un estilo de danza recae en su calidad escultórica. Tiene dos grandes divisiones: Nritta, la danza pura sin contenido literario y Nritya-la danza de expresión en la cual la poesía y el movimiento del cuerpo se fusionan para crear un tema visual a través de movimientos de las manos y expresiones faciales simbólicas. El cuadro en el cual se representa la deidad masculina del universo, el tribhanga (postura con tres giros), el concepto de inclinación de la iconografía hindu, se utiliza totalmente este estilo de danza. Las inclinaciones del cuello, cintura y rodillas reflejan gracia y encanto especial.

Ninguna presentación de Odissi es completa sin el relato de la historia de amor entre Radha y Krishna, los amantes eternos de la mitología india, descrita tan líricamente por el poeta Jayadeva en el siglo doce en sus poema clásico en sánscrito-Gita Govindam.

Fuente: www.rutadeseda.org

SOUL PARA EL ALMA

2009-09-04T10:25:00.000-07:00

Imaginá la Luna Llena, luz de velas, el sonido del Soul y una bailarina de Belly Dance... Hoy Viernes 04 de setiembre 9 p.m.

Esta noche bailo junto a Sasha Campbell. Además, Rodrigo Guido me acompañará con su flauta traversa. ¡Los esperamos!

¿Qué música elegir para Tribal Fusión?

2009-09-02T13:25:00.000-07:00

Ayer recibía una clase de Tribal Fusión con mi compañera de HILAL BELLY DANCERS, Isabel Garnier, en la Academia Ámar. He de decir que me encanta la música que elige para dar sus clases. Desde Michael Jackson hasta And all that jazz, tema principal del soundtrack de la película Chicago, que por cierto está entre mis favoritas.

Isa nos contaba que el estilo Tribal Fusión, permite la posibilidad de utilizar cualquier género musical. Bueno, casi... Una de las alumnas preguntó: -¿hasta reguetón? Isa se dio la vuelta y nos contó que el Tribal Fusión surgió a partir del ATS o Tribal Clásico, de la mano de las feministas de la época, que preferían cubrirse para no ser tratadas como objetos sexuales y por supuesto, respetadas como mujeres y bailarinas. Con el tiempo el Tribal fue tomando distintos caminos hasta surgir otros géneros como el Tribal Fusión que hoy conocemos. El punto es que, si le prestamos atención a las letras de las canciones del reguetón, la mayoría tratan a la mujer como un objeto sexual, incluso como un pedazo de carne. Así es que contradice el sentido original de esta danza. Si tenemos oportunidad de exaltar nuestra feminidad, ¿por qué degradarla? ¿Qué opinan?

Dancing with Karim

2009-08-11T13:23:00.000-07:00

Li et Karim - Mundo Loco

DE'REY (déresh, del árabe "está de moda")

2009-08-04T14:20:00.000-07:00

Esencia

2009-06-27T12:07:00.000-07:00

Bárbara y Jean Pierre, by ANNY LEIVA

Un tango,
es una risa burlona,
el fondo de una botella de lágrimas contenidas,
el recuerdo de una última vez,
un beso con sabor a sangre,
el perfume del despecho,
la dulzura de lo amargo,
un "te quiero" a media voz...

Por Cristibel Leandro.

L@S INVITAMOS A NUESTRO PRÓXIMO ESPECTACULO: ESENCIA, un extracto del Tango, la absurda fragancia del Tribal Cabaret y el perfume del Belly Dance. DOMINGO 19 DE JULIO, TEATRO MELICO SALAZAR, 5:00 P.M., FAR 2009.

Más info, aquí.

Mujer,
somos la unión de la pasión
que le entregamos al alma,
expresamos el ser con nuestra danza,
nuestra propia esencia.

Por Diane Rothschild.

Esencia, by ANNY LEIVA

¿Cómo precisar el origen de la danza del vientre?

2009-06-02T11:55:00.000-07:00

Dans du Ventre

"Tradition is not static. Every generation draws from the past. Evolving from the salon and street performer, to the night club, and concert hall,...the Oriental dance will endure... I don't object to anything as long as it is entertaining."
Jamila Salimpour

Es difícil precisar los orígenes de la danza del vientre por tratarse de una tradición que pasó entre generaciones de mujeres de manera oral y física, sin récords o cánones escritos.

Es claro, sin embargo, que ésta surge en un contexto donde el rol de la mujer era predominante. Se trataba de sociedades matriarcales que dependían en gran medida de los ciclos de la naturaleza para alimentarse, íntimamente relacionados con el ciclo mismo de la mujer, dando lugar a asociaciones entre la fertilidad de la tierra y la fertilidad de la mujer que desembocan en cultos a la Madre Tierra, la Diosa Madre.

Vastos ejemplares de estatuillas a la fertilidad o ¨venus¨ se han hallado, que muestran indicios de dichos cultos en la antigüedad. Se trata de pequeños figurines que resaltan la amplitud de las curvas de la anatomía femenina, a partir de cuyas formas es fácil comprender esta veneración hacia la mujer y sus curvas, ondulaciones y movimientos. Basta ver la cadencia de una mujer al caminar, su contoneo, para entender el origen de la danza como una exaltación de la misma.

Al transformar este esquema a uno de sociedades patriarcales la exaltación de la mujer fue siendo socavada, al representar una contradicción con el mandato masculino y una clara amenaza a éste. Pasó así la danza de ser parte del culto a la mujer a tener un papel desprestigiado. Según cuenta Rina Orellana, bailarina principal de Fat Chance Belly Dance entre 1988 y 1998, la danza como pasatiempo social en Egipto era aceptable como entretenimiento sólo entre mujeres, mientras que la danza como profesión quedó relegada a ¨gitanas, minorías y miembros más pobres de la sociedad¨ las cuales vivían de la danza a pesar de ser mal vistas por las clases más altas de la sociedad por su espíritu libertino, salvaje y subversivo.

En parte gracias a la naturaleza nomádica de estas mujeres las danzas folklóricas de diversas regiones como Syria, Líbano, Israel, Jordania, Turquía, Grecia, y Egipto, entre otras, se fueron alimentando unas de otras, resultando en la evolución y variedad de diversos estilos. Entre las características comunes de estas danzas encontramos un patrón ondulatorio o curvo de movimientos de torso y cadera, así como movimientos basados en aislamientos de determinada parte del cuerpo posteriormente articulados entre sí, que incluso hoy caracterizan la conocida danza del vientre.

Durante los siglos 17 y 18 surge en occidente la corriente artística conocida como Orientalismo. Con la colonización se abre para los artistas la posibilidad de crear imágenes místicas y exóticas, basadas en el imaginario de estas nuevas tierras. El Orientalismo lleva a Occidente no la realidad del Oriente si no la traducción mitificada del mismo. El Arte no imita a la vida, si no que la transforma y la vende como extraordinaria.

Como parte de este movimiento se explica el contacto de estas mismas bailarinas con la cultura occidental, la cual en medio de su fascinación con lo exótico las recibe con brazos abiertos y expectativas crecientes. Los franceses denominan sus movimientos como danseduventre, danza del vientre, por motivos evidentes, ya en 1851 durante la Exhibición del Palacio de Cristal en Londres se introducen bailarinas Orientales a la misma reina Victoria de Inglaterra.

Como es de esperarse el ¨Nuevo Mundo¨ rápidamente adopta y transforma a las mujeres y su danza, adaptando la misma a la sed de entretenimiento del público occidental y sus expectativas. Una vez más, la danza evoluciona, así como su vestuario, indumentaria y connotaciones.

Así por ejemplo, es a partir de elaboraciones occidentales como la obra Salomé de Oscar Wilde que se introduce el velo a la danza oriental, elemento hoy ampliamente utilizado por las bailarinas del género con gran maestría.

Durante todo el siglo 19 se convierten estas bailarinas en parte del imaginario Oriental que se vendía en Europa y Norte America.

Las mismas gitanas halladas a raíz de la búsqueda orientalista dieron lugar a la introducción de la danza del vientre en Estados Unidos, durante la Feria Mundial de Chicago de 1893, cuando el empresario Sol Bloom acuñó el termino danza del vientre para referirse a la danza de las bailarinas gitanas Ghawazee de Egypty y Ouled Nail de Algeria.

El impacto de estas bailarinas fue tal que su danza llego a conocerse como ¨el baile que sacudió a Chicago¨, sin embargo las réplicas de este incidente derivaron en la absorción de la danza oriental por parte del estilo burlesque en boga en Hollywood.

Mientras en Estados Unidos esta danza se desfiguraba para fusionarse con bailes de cabaret, en Egipto las mismas bailarinas atraídas hacia el brillo y el glamour que les ofrecía el estilo estadounidense fueron adoptando nuevas costumbres como propias.
Lo que hoy conocemos como estilo ¨Cabaret¨ se desarrolló a partir de esta fusión ete-oeste en los clubs de Beirut, Algeria y el Cairo, para satisfacer tanto las demandas de la audiencia colonial como de las mismas bailarinas. Incluso el vestuario hoy tan fuertemente asociado a la tradición de danza oriental se tomó de los ideales de belleza y sensualidad estadounidense de inicio de siglo veinte, las asociaciones entre la danza, el brillo y la sensualidad nacen no de su origen étnico sino de las tendencias de cine estadounidense donde el atractivo de la mujer se asociaba con una sensualidad oscura de mujer-vampiro, acentuando así el tabú alrededor de las mujeres que bailaban.

Se genera desde entonces una línea borrosa entre lo auténtico y lo ajeno, entre el origen étnico y la formulación hollywoodense a partir de la cual nace lo que hoy conocemos como Belly Dance.

La danza evoluciona de muchas formas, cambia al alimentarse de diversas culturas, cambia al cambiar de contexto, cambia al pasar de lo ritual a lo folklórico, de lo folklórico a lo mercadeable, del templo al harem, a la calle, al cabaret, al restaurante… al teatro. Muta, crece, cambia, pero persiste en el siempre la maravilla del movimiento, la exploración del cuerpo y la necesidad de usarlo para hablar, de expandir sus limites para encontrar nuevas formas de ser, siendo siempre sobretodo, mujer.

Resumen: Isabel Garnier, Bailarina costarricense de belly dance.

Fuentes: Cook, Wendy, History of Belly Dancing October, 2007.

Orellana Rall,Rina A. History of American Tribal Style Bellydance San Francisco State University, 1997

FESTIVAL MUNDOLOCO 2009 BY ALTHEA

2009-05-01T16:41:00.000-07:00

HILAL BELLY DANCERS & DJ KARIM

FESTIVAL MUNDOLOCO 2009 BY ALTHEA

2009-04-24T17:04:00.000-07:00

HILAL BELLY DANCERS & DJ KARIM

FESTIVAL MUNDOLOCO 2009 BY ALTHEA

2009-04-24T16:37:00.000-07:00

HILAL BELLY DANCERS & DJ KARIM

FESTIVAL MUNDOLOCO 2009 BY ALTHEA

2009-04-24T16:22:00.001-07:00

¡FUEGO!

FESTIVAL MUNDOLOCO 2009 BY ALTHEA

2009-04-24T15:49:00.001-07:00

BEHIND THE SCENE

FESTIVAL MUNDOLOCO 2009 BY ALTHEA

2009-04-24T15:37:00.001-07:00

AMERICAN TRIBAL STYLE

2009-04-23T10:23:00.000-07:00

Origen del Estilo Tribal Americano ó American Tribal Style (ATS)

Jamila Salimpour

La Danza del Vientre Estilo Tribal abarca varios estilos, entre los que destaca el American Tribal Style (ATS). Se creó en San Francisco, California, desarrollada por Jamila Salimpour, Masha Archer y Carolena Nericcio. A Jamila se le acredita la categoría general de "Tribal Style". En los años 60´s, Jamila, directora de la compañía de danza Bal-Anat, se inspiró en las danzas e indumentaria étnica de comunidades del Medio Oriente, Norte de África y el Mediterráneo y creó su propia versión de la danza del vientre. Tomando lo que observaba de los bailarines de Marruecos, Argelia, Turquía, Egipto, Siria y Líbano que bailaban en Estados Unidos, comenzó a catalogar los movimientos de la danza oriental. Jamila creó un vocabulario básico que todavía sigue siendo la base del repertorio del estilo tribal. También es responsable de la fusión de estos bailes tradicionales con el estilo cabaret.

Masha Archer

Masha Archer, alumna de Jamila, también hizo aportes importantes en este estilo. Su idea de unidad entre las bailarinas convirtió al grupo en protagonista. Otro aporte fue la inclusión en el vestuario de los turbantes, tatuajes, y el estilo de joyería y complementos que son desde entonces característicos del estilo.[2] Masha creó su propia compañía de danza San Francisco Dance Troupe, de la cual se retiró años más tarde para dedicarse al diseño de ropa y joyas en San Francisco y Nueva York.

Carolena Nericcio

Masha Archer fue profesora de Carolena Nericcio, a quien se suele atribuir la creación definitiva de la danza tribal.[3] En los años ochenta, tomó las ideas de Jamila y Masha, las unió a su idea de un baile grupal y termina dando estructura al estilo tribal. En 1987, antes que desapareciera San Francisco Dance Troupe, empieza a dar clases en un pequeño estudio en el Noe Valley Ministry. Ese mismo año, crea la compañía “FatChance BellyDance”, donde recoge las influencias de Jamila y Masha, las adapta a su idea de danza grupal e introduce el formato de la improvisación a través de códigos y llamadas entre las bailarinas. En este momento es cuando comienza a llamarse American Tribal Style o Danza del vientre Estilo Tribal Americano.

¿Qué es Estilo Tribal Americano (ATS)?

El estilo tribal es una danza grupal basada en la improvisación y los cambios de líder. La práctica del baile, suele ser una improvisación estructurada. Una bailarina asume el papel de líder y realiza señales codificadas que las demás bailarinas (el coro) siguen, o se coreografía un marco dentro del cual se limita la improvisación. La necesidad de combinar el movimiento de varias personas hace que las reglas sean estrictas, y el repertorio de movimientos, limitado.

Durante el baile pueden presentarse solos, dúos, tríos o cuartetos. Los pequeños grupos de bailarinas son comunes en esta danza. Sale un dúo, trío o cuarteto al centro y el coro se queda detrás, realizando movimientos bastante simples. Su función es acompañar al pequeño grupo, que es el que debe obtener mayor atención. Las bailarinas del centro, siguen a un líder (líder principal) y las que están detrás, siguen a otro líder (líder del coro), que es la última persona al lado izquierdo. Todo esto, además de dar armonía estética al grupo, facilita la improvisación. Dentro de los pequeños grupos también pueden presentarse subgrupos, por ejemplo, un cuarteto se puede dividir formando dúos. Un miembro del dúo hace de líder. La pareja puede sugerir un movimiento a la otra, esto es, pregunta - respuesta. Igualmente se pueden intercambiar las parejas. El baile es más dinámico. En este estilo no hay solistas, pero si se pueden realizar solos dentro del grupo. En este caso, las reglas son parecidas a las que se aplican para grupos pequeños. El solista se ubica en el centro y de frente al público. El coro, que queda un poco detrás, se divide en dos, unas bailarinas se ubican al lado derecho y las otras, al lado izquierdo del escenario y cada parte o cada lado se mantiene frente al otro (frente a frente, no hacia el público) mientrás se ejecuta el sólo.

La danza tribal no es ni pretende ser sexy; de hecho, el nombre de la primera agrupación, "fat chance", proviene de una broma de las bailarinas que se negaban a ser vistas como objetos sexuales, de "fat chance you can have a private show", "en la vida vas a conseguir que te haga un show en privado".[4] Eliminar el componente sexual de una danza de gran sensualidad se consigue con una expresión misteriosa y estática de la cara, movimientos que no llaman la atención hacia lo sexual o sensual sino hacia su fuerza y virtuosismo, y la cooperación entre los miembros del grupo.

La vestimenta mezcla elementos heterogéneos de diferentes culturas. Se utilizan telas estampadas normalmente oscuras, cinturones pesados con decoración recargada, sujetadores sin efectos de brillo o cholis (blusas muy ajustadas con la espalda al aire), bombachos, faldas voluminosas y todo tipo de joyas en plata mate. El maquillaje es dramático y pretende potenciar la sensación de misterio o de origen étnico sin especificar. Suelen decorarse los pies y las manos con henna.

El estilo original, llamado Estilo Tribal Americano, añade este gentilicio para afirmar su condición de danza inventada a propósito. No se pretende recrear una cultura concreta, sino crear un ideal que sugiera cooperación femenina.

Tomado de Wikipedia.

Tribal Costa Rica

2009-04-17T16:10:00.000-07:00

*Andrea Gil y Diane Rothschild, bailarán junto a Estelle Zaghloul en este evento*

Una a una: Diane

2009-03-30T17:57:00.000-07:00

Foto: Fabiola Vargas

Un 16 de enero, nació Diane Rothschild en San José, Costa Rica. A los 9 años inició clases de piano. En el 2003, se matriculó en clases de canto en la Academia Glow, en Pavas, donde estudió por 5 años con el profesor Mario Villalobos. Desde primer año de secundaria ha participado en los Festivales de Coreografía del Colegio La Salle, donde estudia actualmente. A los 15 años, empezó a escribir prosa poética.

En el 2006, inició sus clases de belly dance en ProDanza (actual Dance Force Center) con las profesoras Estelle y Rita María Zaghloul. Dos años después, ingresó a la Academia Ámar, donde continuó sus clases con Estelle. Diane ha bailado en el Auditorio Nacional, el Teatro Eugene O'Neill, Casa España, Hotel Barceló Playa Langosta y Sash.

En diciembre del 2008, Diane se integró a HILAL BELLY DANCERS. Con ellas participó en el Festival Transitarte 2009 de la Municipalidad de San José y en el Festival Mundoloco en La Guácima, junto a Dj Karim, después de la media noche...

Una a una: Andrea

2009-03-30T17:22:00.000-07:00

Foto: Fabiola Vargas

Andrea Gil nació un 25 de abril en Barrio Aranjuez, San José, Costa Rica. No había terminado de aprender a caminar cuando ya daba sus primeros pasos de baile. Fue porrista en su escuela durante tres años. En el colegio empezó a pintar y dibujar, y estuvo por tres años en el taller de teatro. Se graduó de bachiller con énfasis en apreciación del arte del Colegio Saint Clare. En 1999, ingresó a la Universidad Véritas a estudiar Diseño del Espacio Interno. En el 2002, inició sus estudios en costura en la Academia Singer. Simultáneamente, cursaba danza moderna en el Taller Nacional de Danza.

Tres años después, se matriculó en belly dance con la profesora Prisca Zaghloul. En el 2006, se trasladó a la Academia Ámar. Un año después, inició sus clases de tribal fusión con Estelle Zaghloul. Ese mismo año, junto a Cristibel Leandro e Idannia Flores, formaron HILAL BELLY DANCERS.

Andrea ha llevado talleres de belly dance con Estelle Zaghloul, Ericka Zayas y Amar Gamal. Ha realizado presentaciones en el Teatro Melico Salazar, el Auditorio Nacional, el Teatro Eugene O'Neill, Teatro La Aduana, Jazz Café San Pedro y Escazú, Cuartel de la Boca del Monte, El Observatorio, Latino Rock Café y Villa Caletas. Junto a Cristibel, ha participado en los festivales Transitarte, Mundoloco y FAR 2008. En el 2007, las integrantes de HILAL BELLY DANCERS empezaron a formar parte de los espectáculos de Cardamomo, con quienes Andrea participa actualmente.

El pasado 19 de abril, Andrea participó en el evento Tribal Costa Rica en el Auditorio Nacional.

Una a una: Cristibel

2009-03-27T13:17:00.000-07:00

Foto: Fabiola Vargas

De madre boliviana y padre costarricense, Cristibel Leandro Aguirre, nació un 25 de octubre en San José, Costa Rica. Desde niña estuvo involucrada con las artes: música, poesía y artes plásticas. En la Universidad, se inició en el teatro, y formó parte del grupo de Teatro Girasol durante seis años. Cristibel es egresada del énfasis de Producción Audiovisual de la Escuela de Ciencias de la Comunicación Colectiva de la Universidad de Costa Rica. Es Técnica en Locución e Interpretación Comercial y en Producción Radiofónica, del convenio INA-CANARA-RADIO NEDERLAND. Además, ha llevado cursos en el Centro de Imagen del INA. Ha trabajado como locutora, animadora y productora en distintas emisoras juveniles: Radio U, 979, 94.7 y 911 groovy. Estuvo a cargo del programa Pautas de Comunicación, del INPUB y Radio Eco. Durante siete años, trabajó independientemente como locutora y guionista en distintos proyectos de Radio Nederland. En el 2008, trabajó en la divulgación y promoción de MUDANZAS, FADAU y Festival Nacional de Danza, con la Compañía Nacional de Danza. A partir del 2009, trabajó durante casi dos años como locutora en la emisora de música clásica y jazz 95.9 y como productora en 979.

En el 2004, se apasionó por el belly dance, cuando llevó un curso intensivo con la libanesa Prisca Zaghloul, en PROMENADE. Tuvo que pasar un año para retomar sus clases, esta vez con Rita Ramia, la madre de Prisca. Ingresó a la Academia Àmar en cuanto abrió sus puertas en el 2006. Un año despuès, se matriculó en el Taller Nacional de Danza con Prisca Zaghloul. Posteriormente, recibió clases con la profesora Estelle Zaghloul en la Academia Ámar. Ha llevado talleres con las bailarinas Ericka Zayas, Estelle Zaghloul, Yemaya, Bozenka y Amar Gamal. Ha bailado en el Teatro Popular Melico Salazar, Auditorio Nacional, Latino Rock Café, El Observatorio, El Cuartel de la Boca del Monte, Jazz Café San Pedro, Sash, Kash Bar y Aya Sofía. Además, ha participado en los festivales Transitarte y Mundoloco, así como en el Festival de Artes Rítmicas 2008, 2009 y 2011 y el Festival de Artes Árabes de la Academia Ámar. Fundó el grupo HILAL BELLY DANCERS en enero del 2007, y desde entonces se dedica por entero a su proyecto. Ha sido instructora de belly dance en distintos gimnasios y academias del Àrea Metropolitana. En diciembre del 2010, se graduó como instructora de yoga en Yoga Lamat. Actualmente, imparte clases a domicilio.

Dj Karim

2009-03-25T11:08:00.001-07:00

SABADO 4 DE ABRIL, FESTIVAL MUNDOLOCO DJ KARIM & HILAL BELLY DANCERS, DESPUES DE LA MEDIA NOCHE... EN LA GUACIMA.

FUSION, TRANSITARTE 2009, by Fabiola Vargas

2009-03-23T16:39:00.001-07:00

FUSION, TRANSITARTE 2009, by Fabiola Vargas

2009-03-23T16:31:00.001-07:00

FUSION, TRANSITARTE 2009, by Fabiola Vargas

2009-03-23T16:22:00.000-07:00

Transitarte se moverá a ritmo de danza del vientre y break dance

2009-03-04T16:21:00.000-08:00

Buscános en Vuelta en U.

FUSION, sábado 14 de marzo, Parque Nacional, 6:00 p.m., Festival Transitarte.

Natacha Atlas...

2009-02-20T10:14:00.000-08:00

...es sin duda, mi cantante favorita.

Natacha Atlas (1964-), cantante belga, hija de un hombre de origen egipcio y de una mujer inglesa. Su estilo mezcla música de oriente medio (con algunas incursiones en la música tradicional de norte de África) con ritmos electrónicos europeos.

En su primer álbum Diáspora (1995) colabora con el cantante tunecino Walid Rouissi y el compositor egipcio Essam Rashad.

Discografía

Diaspora, 1995
Halim, 1997,
Gedida, 1999
C'est la vie, 1999
The remix collection
Ayeshteni, 2001,
Foretold in the language of dreams
Something dangerous, 2003
Best of Natacha Atlas, 2005
DVD Natacha Atlas - Transglobal Underground, 2005
Mish Maoul, 2006, "Mish maoul" Increíble o No me lo puedo creer"
Ana Hina, 2008, Estoy Aquí

Tomado de Wikipedia.

Bio

Musically and geographically, Natacha Atlas has always been an itinerant. The Anglo-Egyptian singer has spent more than a decade fusing electronic beats with North African and Arabic music, finding links between seemingly disparate musical genres, exploring new and different sonic settings and working with a wealth of like-minded collaborators from across the world along the way. The resulting body of work is both a triumph of true multiculturalism and a testament to the richness and accessibility of Arabic culture. It is, indeed, an oeuvre unlike any other.

Presiding over it all, of course, is Atlas’s extraordinary voice. Meltingly sensuous and gloriously passionate, delicate with melisma and microtones, it bridges Middle Eastern and Western styles with instinctive ease. Ana Hina, then, is the album we’ve been waiting for: a contemporary classical affair that places this god-given instrument centre stage. A throwback to Arabic music’s Golden Era of the late 1950s and 60s, to the sounds and idols that shaped Atlas’s youth. An album that looks to the past while imagining the future, buoyed by some of the best classical and traditional musicians working today.

The daughter of a neurology lecturer of Egyptian descent and an English (occasional) costume designer, Atlas was born in Belgium and grew up in a Moroccan suburb of Brussels, becoming (semi) fluent in French, Arabic, Spanish and English and studying singing and the raq sharki (belly dancing) techniques she uses to dramatic effect today. Her paternal grandfather had shortened the family name, El Atlasi, on arriving in Europe: “I have ancestry in Morocco further back than Egypt,” she says in her clipped London vowels. “But that name is also found in Syria and Lebanon.”

Her father’s large LP collection ranged from Middle Eastern sounds to occidental classical (“My mum was more into Led Zeppelin”). The house she shared with her brother and sister swayed to the unmistakeable voices of Egyptian diva Oum Kalsoum, the Lebanese tenor Wadi El Safi and Lebanon’s beloved Fairuz, the latter interpreting material written for her by the Rahbani Brothers. “I just loved the Fairuz/Rahbani style of music because it was a fusion. The Rahbanis had studied both Western and Arabic music and were fusing them way before I was born. It just made sense to me.”

Later, when at boarding school in Sussex, England after her parents’ divorce Atlas nurtured an early teenage crush on Abdel Haleem Hafiz, the hugely popular Egyptian singer, actor and heartthrob who died, aged 47, in 1977. Aged 16 she moved with her mother to Northampton for two years – becoming the city’s first Arabic rock star – then started travelling to countries including Greece, Turkey and across the Middle East, looking up relatives and soaking up inspiration. For a while she shuttled between the UK and Brussels, singing in a range of Arabic and Turkish nightclubs and even a Belgian salsa band.

That voice couldn’t help but attract attention. In 1991 she guested with two very different artists – Balearic beat crew ¡Loca! and the now mythic Jah Wobble, who was assembling his new band, Invaders of the Heart - that would cement her reputation. Timbal by ¡Loca!, a track on a Nation Records compilation, became a massive club hit, Wobble's album Rising Above Bedlam - five tracks which Natacha co-wrote – got a Mercury award nomination. The progressive Nation Label introduced her to TransGlobal Underground, the London-based multicultural collective who signed her up as lead singer then, in tandem, pushed her to embark on a solo career.

TGU’s Tim Whelan, Hamid Mantu and Nick Page (aka Count Dubulah) were key in co-creating Atlas’s 1995 debut, Diaspora. Combining TGU’s dubby, beats-driven dance hybrid with traditional Arabic fair, its songs of love and loss signalled the arrival of a major new talent. Halim followed in 1997 and her breakthrough disc, Gedida, in 1999. Gedida’s Arabic-style version of Mon Amie La Rose, the song made famous by French icon Francoise Hardy, hit the Top Ten in France and won her Best Female Singer at the Victoire de la Musique awards. 2000’s The Remix Collection saw tracks from her previous three reworked by the likes of Talvin Singh and Youth.

Her fourth album, 2001’s Ayeshteni, boasted a belting rendition of Screaming Jay Hawkins’ I Put A Spell On You (made famous by Nina Simone) that remains a live favourite. There have been other English language covers – James Brown’s It’s A (Man’s Man’s) Man’s World and now, on Ana Hina, a gorgeous interpretation of another Nina Simone cover, Black Is the Colour – along with a couple of James Bond themes. Her songs have appeared on soap operas in Egypt; though based largely in the UK (in a house in Ongar, Essex she’s customised with Egyptian friezes) she has a room in her best girlfriend’s home in Cairo and visits whenever she can.

“I shapeshift as soon as I arrive,” she says with a smile. “My personality almost does a 180 degree turn. I get up late, lie around watching black-and-white films on the Rotana TV channel, go out to shisha bars with friends.”

Determined to push herself in new and different directions, in 2002 Atlas released the shimmering, ambient Foretold in the Language of Dreams with the composer Marc Eagleton and qanun master Abdullah Chadeh. “I don’t like to be constricted or told what to do. And anyway, you can’t keep doing the same old thing.” She changed direction again with 2003’s urgent, upbeat Something Dangerous – an album that embraced everything from rap, drum ‘n’ bass and dance music to R&B, Hindi pop and French chanson – which saw her singing in Arabic, English, Hindi and French. 2006’s rumbling, rootsy Mish Maoul, which delved deeply into her Egyptian roots.

And always, collaborations. Atlas’s list of allies include artists as varied as singers Sinead O’Connor and Sarah Brightman, the avante garde classical composer Jocelyn Pook, the prolific British Asian visionary Nitin Sawhney and the multi instrumentalist and musical director of Ana Hina, Harvey Brough. Along with stalwarts such as Transglobal Underground (whose albums have never resisted the lure of her siren-like vocals), Jah Wobble and her old TGU mockers Neil Sparks and Count Dubulah. All of whom are part of a loose cadre of largely UK-based collaborators who turn up not just on Atlas’s albums, but on each other’s. “That’s the great thing about being based in the UK. There are all these invisible threads connecting people.”

Atlas tends to think in projects. After the remarkable Ana Hina – “Which shows the Western public that actually, Arabic composers have been fusing music, East and West, a lot longer than I have” – will come another, as yet-untitled electric album (which sees her singing in Arabic, English French, Hindi, Spanish) in cahoots with TGU and Birmingham/Bollywood outfit Flavasia. There’ll be a Latin-tinged album with Marc Eagleton and Congolese singer/songwriter Lokua Kanza and further down the track, a contemporary/classical album with Jocelyn Pook.

“I love that contemporary/classical area,” says Atlas, a long time fan of Debussy, Satie and in particular, Rimsky Korsakov’s Shehezerade. “It’s something I’ve always been drawn to. But then I love my stompy dance music too. Arabic music is such a flexible genre. It really lets me do what I want.”

Tomado de My Space.

Tribal Fusión

2009-02-12T14:21:00.000-08:00

El término “Tribal Fusion” se utiliza para describir un estilo que además de mezclar el ATS con el Belly Dance, incorpora elementos de diferentes bailes étnicos (como el hindú, el flamenco, las danzas africanas, etc.) y otras disciplinas de la danza no asociadas al Belly Dance. Como podemos ver, es un término muy amplio, bastante susceptible a la confusión, por prestarse para múltiples interpretaciones.

Se podría pensar que el término Tribal Fusion se refiere a la posibilidad de coreografiar e improvisar, ser solista o grupo manteniendo un significativo énfasis en los movimientos y la estética de la danza del vientre tribal. En otras palabras, se pueden incorporar elementos de varias danzas, pero, se denomina “Tribal Fusion” porque la mayoría de los elementos básicos que definen la Danza Tribal, son los que predominan en la ejecución del baile.

Jill Parker

A finales de la década de los 90´s, Jill Parker, integrante original de las Fat Chance Belly Dance, fundó su propia compañía de danza Ultra Gypsy enfocada hacia un estilo de danza tribal más complejo y expresivo que el ATS. Después de ocho años de ser miembro de las FCBD, ella decide desarrollar su propia versión de la danza tribal dando inicio al estilo "Tribal Fusion".

Jill, amplió el vocabulario de movimientos del ATS, extendió el formato de las FCBD tomando elementos de otras danzas. Modificó el vestuario, eliminando el turbante y el choli, haciéndolo menos recargado. La música empezó a tener un rango más amplio: Desde tradicional hasta música más moderna. El nuevo estilo propuesto por Jill Parker, produjo un gran impacto en los bailarines de este estilo y abrió las puertas a una nueva forma de tribal, mucho más creativa, expresiva y teatral.

Heather Stants

A principios del 2000 en San Diego, California, surgió la compañía "Urban Tribal Dance", dirigida por Heather Stants, cuyo estilo estaba inspirado en el hip hop y la danza moderna. Como "Urban Tribal" enfatizaba la flexibilidad y la frescura, el vestuario para Tribal Fusión tuvo que ser modificado nuevamente. Las responsables de estos cambios, fueron: Mardi Love y Melodía, miembros de esta compañía. Ambas, contribuyeron enormemente en el vestuario que se utiliza en Tribal Fusión actualmente. Mardi creó una nueva tendencia más suave y delicada en los adornos para la cabeza y los cinturones de caracoles. Melodía, diseño una línea de pantalones de danza. A partir de estas dos artistas, el vestuario en la comunidad de Tribal Fusión empezó a estandarizarse.

Rachel Brice

Otra artista que ha contribuido en este estilo es Rachel Brice. Rachel, fue la primera solista de Tribal Fusion, además, popularizó este estilo alrededor del mundo, por su técnica, sus aislamientos, control muscular y complejidad en los movimientos.

Rachel Brice empezó a tomar clases de danza del vientre (en la Compañía Hahbi´Ru) a finales de los 80´s. Durante un tiempo deja el Belly Dance para dedicarse a sus estudios de yoga, y posteriormente, lo retoma. (Rachel, inicialmente, era bailarina de danza del vientre estilo "Cabaret"). Se muda a San Francisco para estudiar danza del vientre a tiempo completo. En 2001, toma clases con Carolena Nericcio y Jill Parker. Durante un periodo muy corto, Rachel fue miembro de las Ultra Gypsy (2001).

En 2003, Rachel ya tenía algunos años de estar enseñando yoga y belly dance, cuando Janice Solimedo interesada en pertenecer a una compañía de danza, le sugiere crear una. Rachel, crea con las dos estudiantes que tenía entonces (Michelle Campbell y Ariellah Aflafo) y Janice Solimeno “The Indigo Belly Dance Company”. Es importante mencionar que, Ariellah, antes de tomar clases con Rachel, había sido alumna de Jill Parker y Janice, co-fundadora de “The Indigo”, había sido miembro de Ultra Gypsy.

The Indigo Belly Dance Company

Ariellah y Janice, se retiraron de la compañía para seguir sus carreras como solistas. Sharon Kihara (de la escuela de Suhaila Salimpour y ex alumna de Jill Parker) y Mardi Love (ex-miembro de Urban Tribal, compañía de Heather Stants) se unieron a "The Indigo". Michelle Campbell, se retira, para dedicarse a la maternidad, en el año 2005. Ese mismo año, a través de una audición, Zoe Jakes (ex-miembro de la compañía de Suhaila Salimpour y miembro de YardDog Road Show) se une a "The Indigo Dance Company".

Zoe Jakes

Las mencionadas aquí, son las artistas que iniciaron este estilo, muchas más han contribuido al desarrollo del Tribal Fusión. Este estilo es demasiado nuevo, sigue en evolución, de manera que aún faltan contribuciones por hacer y cosas por crear.

Andrea y Diane, de HILAL BELLY DANCERS

Tomado de Wikipedia.

Danza de la Serpiente

2009-02-09T07:54:00.000-08:00

En Egipto, la Diosa Uazit, la gran diosa serpiente, era la guardiana de las regiones sagradas del reino de los muertos, símbolo de renovación y de sabiduría, a veces considerada buena y otras mala. Hay un texto grabado en el ataúd del Faraón Seti I que dice “ el alma de todos los dioses vive en las serpientes”.

Estudios realizados por el mitólogo Joseph Campell, observan culto a las serpientes en varias regiones como Grecia, India, África, Australia, Indonesia entre otras.

Actualmente en la India la serpiente sigue considerandose un animal sagrado y símbolo de suerte para los indios y adeptos del yoga. Es la serpiente de fuego que se mueve por todo el cuerpo transformando la energía sexual en energía espiritual, capaz de curar.

Muchos pasos de la Danza del Vientre se basan en los movimientos de la serpiente y sobre el baile con este animal, lo que existe son pinturas antiguas de mujeres vestidas de bailarina, tomando en su mano una serpiente.

Esa danza no es utilizada por las bailarinas árabes, se ha puesto de moda en Estados Unidos, donde se utiliza con mas frecuencia este animal en el baile.

Es importante recordar que la bailarina debe cumplir los requisitos legales y veterinarios para preservar a seguridad y el bienestar del animal.

Elementos de la danza del vientre

2009-02-03T07:24:00.000-08:00

El velo:

Es usado en la danza oriental a comienzos del siglo xx, como accesorio. El velo representa lo oculto, lo que ocultamos de nosotras mismas. Una bailarina al dejar caer su velo, revela sus verdades y se muestra tal cual es…

La danza del velo, podemos decir, tiene dos versiones: la rápida y la lenta. La versión rápida es generalmente la que vemos en la presentación de la bailarina. En una rutina de bailarina, el comienzo de la música luego de la melodía de apertura es generalmente con el ritmo malfuf, alegre y rápido. La bailarina puede bailar y presentarse al mismo tiempo que maniobra con el velo. Cuando los pies de la bailarina casi siempre siguen el ritmo, el velo va siguiendo la melodía.

Luego, vemos la danza del velo con una música suave y tenue, nunca en un solo de percusión, también con una música clásica egipcia, pero nunca una folclórica.

El bastón:

Para interpretar la danza del bastón (Raks al Assaya), se utiliza un ritmo característico: el saidi. El bastón es un elemento característico de la danza folklórica. Originariamente, era un elemento masculino usado para caminar y defenderse, aunque las mujeres egipcias practicaban la danza del bastón acompañadas por hombres haciendo referencia a una danza marcial masculina llamada "Tahtib".

Zills:

Las bailarinas utilizan este instrumento para ayudar a los músicos en el acompañamiento rítmico de sus bailes. Los zills son metálicos, se colocan en los dedos mayor y pulgar. Estos fueron instrumentos sagrados alrededor del 1000 A.C., usados en Turquía, Arabia y Marruecos.

Candelabro:

Era utilizado tradicionalmente en los casamientos egipcios, donde la bailarina procura iluminar el camino de los novios, como una forma de traer felicidad para ellos. En esta danza de origen griego (Raks Al Shamadán), se utilizan largos vestidos parecidos a túnicas (aunque existen variantes), y el ritmo utilizado debe ser lento.

Sable:

Raks Al Sayf (danza del sable), originario de la danza marcial tradicional de Egipto, realizado por hombres. Implica balancear el objeto sobre la cabeza, cadera, vientre, hombros. No existe mucha documentación que indique que la danza del sable bailada por mujeres sea común, salvo algunas pinturas.

Daga:

Representa a la muerte, la transformación y el sexo, era una reverencia a la Diosa Selkis, la reina de los escorpiones. La odalisca entra con la daga escondida y en el medio de la danza la revela bailando siempre envuelta por un aire misterioso. El uso de armas en danza lo podemos ver sobre todo en el “Raks Gothique” o danza oriental de estilo gótico.

Jarrón:

Es utilizado en la danza folklórica, la bailarina representa la rutina de los beduinos, que caminan de su tienda hasta el oasis, donde descansa, se refresca, busca agua y retorna a su tienda.

Alas de Isis:

Un elemento recientemente incorporado a la danza árabe. Se denominan así por la influencia faraónica de la Diosa egipcia Isis, representada con brazos alados simbolizando a la Madre protectora. Lo mismo que los velos, bailar con Alas de Isis requiere destreza y práctica, ya que los movimientos deben ser suaves y los brazos deben haber adquirido la soltura suficiente para dar la impresión de que flotan en el aire y de que, claro, el elemento no pesa nada, sino que flota también. La música lleva muchos instrumentos de viento,el ritmo de la melodía puede ser mas rápido o más lento, dependiendo, es una danza que realiza muchas vueltas, giros y desplazamientos.

Otros elementos:

Abanicos de fuego, dedos de fuego, flores de loto (velas) y abanicos de velo.

La Danza Oriental en la Línea del Tiempo

2009-01-27T07:11:00.000-08:00

La Danza Oriental en la Línea del Tiempo I

24,000-22,000 AC • Era del Paleolítico. La Venus de Willendorf, Austria, es cincelada en piedra.

Venus de Willendorf

15,000-10,000 AC • La Venus de Lassel, France, es cincelada en piedra para guarda la entrada a la cueva de la Gran Madre Diosa.

7,250–6,250 AC • Las primeras sociedades matriarcales. La más antigua de estas comunidades neolíticas, Catal Huyuk, fue localizada hoy en día en Anatolia, Turquía, y adoraban la fertilidad femenina. Estas comunidades tenían un gran desarrollo de formas artísticas, incluido el uso de espirales, formas de pájaros y zig zags como expresiones simbólicas de escritura.

6,800 AC • Se encuentran figures en Iraq. El antiguo pueblo de Mesopotamia se encuentra en Jarmo, en la frontera entre Iraq e Irán. Se descubren evidencias de domesticación animal y cultivo de cosechas.

5500 AC • Sociedades agricultoras neolíticas relacionan la fertilidad de los cultivos con una diosa, la Gran Madre.

5000 AC • Aparecen pinturas de bailarinas en las tumbas.

4000 AC • La evidencia sugiere que las culturas dominadas por hombres derrocan a las sociedades matriarcales.

3200 AC • Textos de Inanna, Reina del Cielo (aka Ishtar) en escritura sumeria cuniforme.

Inanna

3000-1400 AC • Cultura Minoana de la Antigua Grecia. Creían que los dioses inventaron la danza; medio para cultivar tanto el cuerpo como el alma. La danza, al igual que la escritura, la música y el ejercicio físico era obligatoria en el sistema de educación, y los guerreros espartanos bailaban para preparar las batallas.

2550 AC • Domesticación del gato.

2300 AC • Actos de amor sagrado se practican ampliamente como un símbolo de devoción a La Diosa.

1800 AC • Fin de la era de dominio matriarcal en Egipto.

1486-1468 AC • La Reina Hatshepsut gobierna como faraón en Egipto.

Reina Hatshepsut

1500 AC • Conquistadores egipcios importan y exportan bailarinas con otros países.

1200 AC a 323 AC • La Cultura Griega Clásica.

1270 AC • Historia de Sansón y Dalila.

Sansón y Dalila

800 AC • Homero escribe la Ilíada y la Odisea sobre la Guerra de Troya.

753 AC • Imperio Romano

960 AC • Salomón se convierte en rey de Israel. Adora a Jehovah y a la Diosa. Tenía 700 esposas y 300 concubinas.

563 AC • Nace Buda.

500 AC • En Cartago se usan crótalos fenicios.

323 AC • Muere Alejandro Magno. Era un rey de Macedonia que consiguió el gobierno de Egipto. Estableció la ciudad de Alejandría y se proclamó a sí mismo faraón. Reconstryó los templos que habían destruido los persas. Sólo reinó 9 años. Los sacerdotes griegos tomaron los templos de Egipto y cambiaron la imagen de la diosa Hator por la suya de Afrodita.

384-322 AC • Aristóteles desarrolló su elaborada literatura sobre la teoría de la danza. Pionero de los antiguos griegos al acercamiento lógico a la danza, clasificando sus elementos.

300 AC • Bailarinas viajan con el ejército persa.

La Danza Oriental en la Línea del Tiempo II

241-218 AC • En Roma se hace popular el bailar con ‘castañuelas’.

206 AC-220 DC • Se sabe que el laúd, instrumento de orquesta de la Arabia moderna, se utilizó en esta época.

60 AC • Los romanos importan bailarinas de Siria.

20 AC-100 DC • Los romanos escriben el Gaditae — bailarinas de la colonia fenicia de Gades (entonces parte del Imperio Romano, Cadiz hoy en día en España).

Gaditae

28 • Herodes le ofrece a Salomé cualquier cosa a cambio de que baile para él. Ella reclama la cabeza de Juan el Bautista.

206 • Papiros confirman la existencia en Egipto de un grupo organizado de bailarinas.

300 • Se comienzan a cerrar los templos dedicados a diosas bajo el mandato del emperador Constantino. En el siglo IV, el Cristianismo es la única religión tolerada en el Imperio Romano.

415 • La filósofa Hypatia, considerada una de las mujeres más inteligentes, hija del matemático Theon, y mujer del filósofo Isidoro. Escribió grandes trabajos, que provocaron la envidia de varios de sus colegas-hombres cristianos de Alejandría, quienes la golpearon brutalmente, asesinaron, mutilaron y quemaron. Fue la última de las bibliotecarias alejandrinas.

Hypatia

450 • El Partenón de la Acrópolis, santuario de la religión de la Diosa, es adoptado por la Iglesia cristiana.

500 • Cierre del último templo a las diosas.

527 • Una famosa bailarina oriental, actriz y supuestamente cortesana, se convierte en la Emperatriz Teodora, esposa del emperador bizantino Justiniano. Dentro del gobierno bizantino, creo leyes protegiendo los derechos de las mujeres. Los bizantinos convertidos estaban acostumbrados a bailar como parte central de su adoración, así que la iglesia tuvo que incorporar sus danzas como parte de los rituales cristianos, así como tuvo que hacer con ciertos mitos, símbolos, y días sagrados que precedían a Cristo. Hay constancia de la danza en esta época recogidas en esculturas y miniaturas, pero no en la escritura.

Emperatriz Teodora

572 • Nace Mahoma, profeta del Islam y mensajero de Alá.

622 • Mahoma defiende que solo Alá es el creador. Se casa con varias mujeres. Comienza la conquista musulmana.

630 • Mahoma destruye ídolos paganos y estatuas de la Diosa en la Meca.

632 • Muerte de Mahoma.

690 • Los árabes invaden África del Norte. La reina berebere Dahia Al-Kahina, es una fiera guerrera-sacerdotisa de las montañas del este de Algeria. Lideró una exitosa resistencia durante muchos años. En el año 701, los norteafricanos fuero defendidos hasta en su lecho de muerte, donde dio instrucciones a las tribus de adoptar el islamismo. Los bereberes, hasta el día de hoy, mantienen sus antiguas tradiciones tribales en paralelo con el Islam.

Dahia Al-Kahina

786 • Haroun er' Rashed, héroe de los cuentos de las 1001 Noches, se convierte en califa de Bagdad. La Famila Barameke alega ser antepasada de las Gawazee (gitanas del desierto).

950 • Mujeres de un harén de China inventan los juegos de cartas.

La Danza Oriental en la Linea del Tiempo III

1096-1300 • Las cruzadas cristianas europeas vs. los musulmanes de Medio Oriente. Los soldados cristianos traían bailarinas orientales, que influenciaron en las danzas europeas.

1231 • Comienza la Inquisición española.

1300 • Lal Ded, también conocida como Lalah de Cashemir, alcanzó un estado de iluminación, tiró toda su ropa, cantó, bailó y recitó poesía. Fue muy querida por el pueblo y aceptaron su desnudez. Se dice que hay dos cosas que la gente de Cashemir conocen: Alá y Lalah.

Lal Ded

1489 • El ballet se originó en Italia como una danza propia de hombres.

1492 • La reina Isabel de Castilla expulsa a los moros de España.

1500 • El Flamenco como danza surge cuando los moros y otras minorías se esconden de su persecución en las zonas montañosas del sur de España.

1500-1600 • Construcción del Palacio de Topkapi en Estambul (Constantinopla). En él, se agrupan varias bailarinas que son traídas para entretener a las mujeres del harén.

Palacio de Topkapi, Estambul

1581 • El ballet se desarrolla en Francia.

1643-1715 • El ballet alcanza su cumbre en la corte del Rey Luis XIV. El primer ballet femenino se introduce en 1681.

1789 • G.W. Brown informa del florecimiento de las bailarinas Ghawazee como parte de la sociedad egipcia.

1832 • Las bailarinas Ghawazee del Cairo desaparecen y las Essne Khawals toman su lugar en la danza pública.

1836 • Edward Lane publica Costumbres de los Egipcios Modernos; comparando las danzas Ghawazee con las danzas gaditanas que describieron los romanos.

Edward Lane con traje egipcio.

1851 • Bailarinas Orientales aparecen en una exhibición en el Palacio de Cristal de Londres; la Reina Victoria es presentada.

1868-1928 • Loie Fuller, nacida en Fullersville, Illinois, se convierte en líder en la popularización del arte de la danza; los más característico de su danza es la iluminación experimental, el vestuario y los grandes velos. Sobre todo, actuó en Europa. Loie Fuller , Ruth St Dennis e Isadora Duncan serían famosas por ser las americanas innovadoras del nuevo movimiento de la danza moderna.

1876 • Centenario de los EEUU; la Exhibición Internacional de las Artes. El espectáculo incluía una bailarina turca y animadores nativos de Algeria. Puede que fuese la primera vez que se vio danza oriental en América.

1878 -1927 • Isadora Duncan, nacida en California, populariza en arte de la libre expresión en la danza usando temas relacionados con la naturaleza y la antigua Grecia. Bailaba descalza.

Isadora Duncan

1893 • Sol Bloom trae un pueblo de Algeria a la feria mundial de Chicago. Aparece el término “danza del vientre”. El público se fascina mientras que los censores se encolerizan. Se dijo que una bailarina llamada Little Egypt salvó la feria de la ruina financiera. La iglesia se escandalizó.

1893-1990 • Movimientos de la danza oriental se incorporan a los striptease y viceversa.

1906 • Ruth St Denis (1879-1968) Nacida en New Jersey. Fue una pionera en la danza moderna en America y Europa. Esto marca el comienzo de sus famosos recitales inspirados en el arte y religión de Egipto, la India, Turquía y Asia.

Ruth St Denis

1915 • El explorador Theodore Pedersen se aventura en Siberia y realiza una de sus primeras películas. El trabajo recoge mujeres ancianas llevando cinturones en las caderas y bailando en un bosque moviendo las caderas después de tomar setas alucinógenas.

1915 • El Tango se desarrolla en Sudamérica como un derivado del Flamenco español, el Tangano africano e influencias cubanas.

1920 • Las mujeres ganan el voto.

1922 • La americana Josephine Baker presenta en los escenarios un nuevo estilo de danza, que no fue aceptado en América por racismo hasta 1973. Pero en París se convirtió en una sensación y estuvo bailando durante 50 años hasta que murió en 1975.

Josephine Baker

1922 • El final de la 1ª Guerra Mundial marca el final del Imperio Otomano. Kamel Ataturk comienza la modernización de Turquía separando iglesia y estado. Los derviches, adivinos, magos y ocultistas estaban prohibidos. La ley aprueba el requerido Hajab (el velo cubriendo a las mujeres) al igual que el fez y el turbante para los hombres.

1927 • Badia Masabni funda la Cairo Opera en Egipto; presenta a Tahia Kirk y a Samia Gamal.

1936-1952 • Durante el reinado del rey Farouk, Tahia Carioca se convierte en la bailarina oriental más famosa del mundo.

Tahia Carioca

1940s • Fadil Attrache y Abdul Wahab escriben música. Auge de muchas bailarinas famosas: Tahia Karioka, Samia and Nadia Gamal, Naema Akef, Nelly Masloom, Badia . . .

Samia Gamal

1954 • Jamila Salimpour (conocida como la madre de la danza del vientre en América) comienza enseñando danza oriental con un fonógrafo.

Jamila Salimpour

1959 • La compañía de danza Reda Dance se funda en el Cairo.

1966 • Suhaila Salimpour nace de Jamila Salimpour. Sigue los pasos de su madre pero cultiva su propio estilo.

Suhaila Salimpour

1970 • Miembros del movimiento de liberación de la mujer exponen que la danza del vientre trata a las mujeres como objetos sexuales, manifestándose ante estudiantes de Jamila Salimpour; mientras, en señal de apoyo, otras mujeres quemaban sus sujetadores y se inscribían en cursos de danza oriental.

1972 • Bob Zalot, California, funda la revista “Habibi”.

1975 • Ibrahim Farrah funda la publicación “Arabesque.”

1975-1985 • Surgen muchas bailarinas famosas, se publican revistas especializadas, se graban videos para aprender a bailar, se realizan concursos de danza oriental, etc. Comienza de nuevo un auge en esta sagrada danza.

1987 • Carolina Nericcio da a luz el estilo de danza oriental "Tribal Americano". Desarrolla una única y espontánea coreografía donde una líder guía a un grupo de bailarinas mediante señales. El nombre del grupo es "Fat Chancee Belly Dance". El vestuario se compone de grandes joyas de plata antigua y monedas de Afganistán, borlones de lana, faldas de vuelo, bombachos y turbantes decorados. La piel de la bailarina luce tatuajes reales o de henna.

Carolina Nericcio

1989 • Gaby Oftring de Alemania crea el programa “Danza del vientre en el Embarazo”, donde expone las ventajas de esta danza antes y después del parto.

2000-2009 • La danza del vientre alcanza un nuevo grado de popularidad en la cultura alrededor del mundo.

Sobre el origen de la danza del vientre

2009-01-20T07:30:00.000-08:00

El origen exacto de esta forma de baile es motivo de constante debate entre quienes se interesan por esta danza, debido principalmente a la escasa investigación llevada a cabo al respecto. La mayoría de los estudios los han realizado las propias bailarinas, en un intento por entender sus orígenes. No obstante, suele pasarse por alto que gran parte de la danza en Oriente Medio surge en el contexto social, no tanto en el de las representaciones en cabarets a cargo de bailarinas profesionales, entorno éste más visible y glamouroso. Esto ha provocado una importante confusión en cuanto a la verdadera naturaleza de este baile, dando lugar a teorías contradictorias en un intento por explicar sus orígenes.

Estas son algunas de las teorías existentes:

1. Desciende de las danzas del antiguo Egipto.
2. Procede de un baile de tipo religioso que practicaban antiguamente las sacerdotisas de los templos.
3. Formaba parte de las prácticas tradicionales de alumbramiento en la/s region/es de origen.
4. Se había extendido gracias a las migraciones de los pueblos gitanos y de grupos similares, de origen hindú.

De todas ellas, rara vez se hace alusión a la primera, a pesar de que cuenta con el apoyo de personalidades como el bailarín egipcio Doctor Mo Geddawi promocionándola. El principal apoyo de esta teoría tiene su explicación en las semejanzas entre las poses del arte egipcio y los movimientos del baile en su vertiente moderna.

La teoría más conocida es la que la asocia con un baile religioso, a la que se suele hacer referencia en los principales artículos sobre el tema y que goza de mayor publicidad.

La teoría que la asocia a las "prácticas de alumbramiento" en virtud de una serie de movimientos del Raqs Sharqi moderno. Es refrendada y extendida por el bailarín marroquí y aficionado a la antropología conocido también como Carolina Varga Dinicu y tiene que ver con la revisión de los movimientos que se han venido utilizando para ilustrar o facilitar el alumbramiento. A pesar de que dicha teoría carece de un "punto de origen", sí que cuenta con numerosas referencias históricas de tipo oral, además de que aparece citada en un comentario de la obra The Dancer of Shamahka.

Dos cuestiones sugieren la danza gitana como su origen. Se cree que los pueblos gitanos y otros grupos humanos similares, pudieron importar esta forma de baile en sus desplazamientos o adoptarlo sobre la marcha y difundirlo. Gracias a la fusión de las formas gitanas de baile con el Raqs Sharqi, estas teorías disfrutan de mayor popularidad en Occidente de la que tendrían necesariamente en sus países de origen - si bien esto puede deberse en parte a los prejuicios existentes sobre estos pueblos.

Sea cual sea el origen, la danza posee una larga tradición en Oriente Medio y de África del Norte. A pesar de las restricciones que impone el Islam en cuanto a la representación pictórica de seres humanos, existen algunas muestras de ello en todo el mundo islámico. Libros como The Art and Architecture of Islam 650-1250 muestran imágenes de las bailarinas en muros palaciegos, al igual que sucede con las pinturas en miniatura persas de los siglos XII y XIII.

Fuera de Oriente Medio y de África del norte , el baile del raqs sharqi se hizo popular durante el movimiento romántico de los siglos XVIII y XIX, con la representación que los artistas orientalistas hacían de la vida de harén del Imperio Otomano. En esa época, bailarinas de distintos países del medio oriente comenzaron a mostrar estas danzas en distintas Ferias Universales, a menudo atrayendo casi más público que la propia exhibición tecnológica. Los comienzos del cine recogen a algunas de estas bailarinas, como es el caso de la película "Fatima's Dance", de amplia distribución en las salas de la época. Sin embargó se ganó fuertes críticas por su "indecencia", llegando finalmente incluso a censurarse por presión popular.

Fátima's Dance

Algunas mujeres occidentales comenzaron a aprender e imitar la danza de Oriente Medio, que en aquel momento era objeto de colonización por parte de naciones europeas. El ejemplo más conocido es de Mata Hari, que a pesar de fingir ser una bailarina de la Isla de Java, se acercaba más a las formas de danza del medio oriente que a las de Indonesia. Por este y otros motivos, a principios del siglo XX, en América y Europa la idea popular llevaba a dar por supuesto que estas bailarinas eran mujeres de moral dudosa.

Mata Hari

Históricamente, en la mayoría de los bailes vinculados a la danza oriental había separación de sexos; los hombres con los hombres y las mujeres con las mujeres. Hay pocas muestras de baile mixto. Esta práctica pretendía garantizar que una "buena" mujer no fuera vista bailando con nadie que no fuera su marido, su familia más cercana o sus amigas.

Hoy en día, la separación de sexos no se practica de forma tan estricta en las zonas urbanas y en ocasiones tanto hombres como mujeres salen y bailan en reuniones sociales de tipo mixto con amigos íntimos. No obstante, a pesar que este baile social en circunstancias aceptables se considera correcto e incluso se fomenta, para muchos en Oriente Medio y el Norte de África consideran que las actuaciones con bailarines profesionales con trajes provocativos y para un público mixto es algo moralmente cuestionable. Algunos llegan hasta el punto de sugerir que se prohíban esta clase de representaciones.

Puesto que el lugar en el que suele desarrollarse este baile suelen ser establecimientos nocturnos, unido a la proliferación de grabaciones en vídeo y DVD de famosas bailarinas, es esta versión mundana de la danza en lugar de la social o folclórica la que goza de mayor popularidad.

Tomado de Wikipedia.

Whatever Lola Wants

2009-01-12T14:23:00.000-08:00

Érase una vez...

2008-12-19T08:12:00.000-08:00

Machaho!
Tellem Chaho!

Érase una vez una bailarina que soñaba despierta. Cuando abrió los ojos era de noche, y la Luna estaba en Cuarto Creciente. Así es que decidió invocarla, para hacer realidad su sueño. Danzó toda la noche, descalza, para bailar también con la Tierra, hasta que sus pies cansados se iluminaron con la luz del alba.

Entonces convocó a otra bailarina, a otra y a una última. Les propuso bailar con ellas una danza ancestral, pero bailar con el alma, con el corazón expuesto, con las emociones a flor de piel...

Y su sueño empezó a cobrar forma, en los teatros, en las playas, en donde hubiera un grupo reunido de amantes del arte, ahí estarían ellas, bailando, celebrando la Vida, con la mirada puesta en la Luna, en Cuarto Creciente.

Machaho!