Natacha Atlas...

...es sin duda, mi cantante favorita.



Natacha Atlas (1964-), cantante belga, hija de un hombre de origen egipcio y de una mujer inglesa. Su estilo mezcla música de oriente medio (con algunas incursiones en la música tradicional de norte de África) con ritmos electrónicos europeos.

En su primer álbum Diáspora (1995) colabora con el cantante tunecino Walid Rouissi y el compositor egipcio Essam Rashad.


Discografía

Diaspora, 1995
Halim, 1997,
Gedida, 1999
C'est la vie, 1999
The remix collection
Ayeshteni, 2001,
Foretold in the language of dreams
Something dangerous, 2003
Best of Natacha Atlas, 2005
DVD Natacha Atlas - Transglobal Underground, 2005
Mish Maoul, 2006, "Mish maoul" Increíble o No me lo puedo creer"
Ana Hina, 2008, Estoy Aquí

Tomado de Wikipedia.

Bio

Musically and geographically, Natacha Atlas has always been an itinerant. The Anglo-Egyptian singer has spent more than a decade fusing electronic beats with North African and Arabic music, finding links between seemingly disparate musical genres, exploring new and different sonic settings and working with a wealth of like-minded collaborators from across the world along the way. The resulting body of work is both a triumph of true multiculturalism and a testament to the richness and accessibility of Arabic culture. It is, indeed, an oeuvre unlike any other.

Presiding over it all, of course, is Atlas’s extraordinary voice. Meltingly sensuous and gloriously passionate, delicate with melisma and microtones, it bridges Middle Eastern and Western styles with instinctive ease. Ana Hina, then, is the album we’ve been waiting for: a contemporary classical affair that places this god-given instrument centre stage. A throwback to Arabic music’s Golden Era of the late 1950s and 60s, to the sounds and idols that shaped Atlas’s youth. An album that looks to the past while imagining the future, buoyed by some of the best classical and traditional musicians working today.



The daughter of a neurology lecturer of Egyptian descent and an English (occasional) costume designer, Atlas was born in Belgium and grew up in a Moroccan suburb of Brussels, becoming (semi) fluent in French, Arabic, Spanish and English and studying singing and the raq sharki (belly dancing) techniques she uses to dramatic effect today. Her paternal grandfather had shortened the family name, El Atlasi, on arriving in Europe: “I have ancestry in Morocco further back than Egypt,” she says in her clipped London vowels. “But that name is also found in Syria and Lebanon.”

Her father’s large LP collection ranged from Middle Eastern sounds to occidental classical (“My mum was more into Led Zeppelin”). The house she shared with her brother and sister swayed to the unmistakeable voices of Egyptian diva Oum Kalsoum, the Lebanese tenor Wadi El Safi and Lebanon’s beloved Fairuz, the latter interpreting material written for her by the Rahbani Brothers. “I just loved the Fairuz/Rahbani style of music because it was a fusion. The Rahbanis had studied both Western and Arabic music and were fusing them way before I was born. It just made sense to me.”

Later, when at boarding school in Sussex, England after her parents’ divorce Atlas nurtured an early teenage crush on Abdel Haleem Hafiz, the hugely popular Egyptian singer, actor and heartthrob who died, aged 47, in 1977. Aged 16 she moved with her mother to Northampton for two years – becoming the city’s first Arabic rock star – then started travelling to countries including Greece, Turkey and across the Middle East, looking up relatives and soaking up inspiration. For a while she shuttled between the UK and Brussels, singing in a range of Arabic and Turkish nightclubs and even a Belgian salsa band.

That voice couldn’t help but attract attention. In 1991 she guested with two very different artists – Balearic beat crew ¡Loca! and the now mythic Jah Wobble, who was assembling his new band, Invaders of the Heart - that would cement her reputation. Timbal by ¡Loca!, a track on a Nation Records compilation, became a massive club hit, Wobble's album Rising Above Bedlam - five tracks which Natacha co-wrote – got a Mercury award nomination. The progressive Nation Label introduced her to TransGlobal Underground, the London-based multicultural collective who signed her up as lead singer then, in tandem, pushed her to embark on a solo career.



TGU’s Tim Whelan, Hamid Mantu and Nick Page (aka Count Dubulah) were key in co-creating Atlas’s 1995 debut, Diaspora. Combining TGU’s dubby, beats-driven dance hybrid with traditional Arabic fair, its songs of love and loss signalled the arrival of a major new talent. Halim followed in 1997 and her breakthrough disc, Gedida, in 1999. Gedida’s Arabic-style version of Mon Amie La Rose, the song made famous by French icon Francoise Hardy, hit the Top Ten in France and won her Best Female Singer at the Victoire de la Musique awards. 2000’s The Remix Collection saw tracks from her previous three reworked by the likes of Talvin Singh and Youth.

Her fourth album, 2001’s Ayeshteni, boasted a belting rendition of Screaming Jay Hawkins’ I Put A Spell On You (made famous by Nina Simone) that remains a live favourite. There have been other English language covers – James Brown’s It’s A (Man’s Man’s) Man’s World and now, on Ana Hina, a gorgeous interpretation of another Nina Simone cover, Black Is the Colour – along with a couple of James Bond themes. Her songs have appeared on soap operas in Egypt; though based largely in the UK (in a house in Ongar, Essex she’s customised with Egyptian friezes) she has a room in her best girlfriend’s home in Cairo and visits whenever she can.



“I shapeshift as soon as I arrive,” she says with a smile. “My personality almost does a 180 degree turn. I get up late, lie around watching black-and-white films on the Rotana TV channel, go out to shisha bars with friends.”

Determined to push herself in new and different directions, in 2002 Atlas released the shimmering, ambient Foretold in the Language of Dreams with the composer Marc Eagleton and qanun master Abdullah Chadeh. “I don’t like to be constricted or told what to do. And anyway, you can’t keep doing the same old thing.” She changed direction again with 2003’s urgent, upbeat Something Dangerous – an album that embraced everything from rap, drum ‘n’ bass and dance music to R&B, Hindi pop and French chanson – which saw her singing in Arabic, English, Hindi and French. 2006’s rumbling, rootsy Mish Maoul, which delved deeply into her Egyptian roots.

And always, collaborations. Atlas’s list of allies include artists as varied as singers Sinead O’Connor and Sarah Brightman, the avante garde classical composer Jocelyn Pook, the prolific British Asian visionary Nitin Sawhney and the multi instrumentalist and musical director of Ana Hina, Harvey Brough. Along with stalwarts such as Transglobal Underground (whose albums have never resisted the lure of her siren-like vocals), Jah Wobble and her old TGU mockers Neil Sparks and Count Dubulah. All of whom are part of a loose cadre of largely UK-based collaborators who turn up not just on Atlas’s albums, but on each other’s. “That’s the great thing about being based in the UK. There are all these invisible threads connecting people.”

Atlas tends to think in projects. After the remarkable Ana Hina – “Which shows the Western public that actually, Arabic composers have been fusing music, East and West, a lot longer than I have” – will come another, as yet-untitled electric album (which sees her singing in Arabic, English French, Hindi, Spanish) in cahoots with TGU and Birmingham/Bollywood outfit Flavasia. There’ll be a Latin-tinged album with Marc Eagleton and Congolese singer/songwriter Lokua Kanza and further down the track, a contemporary/classical album with Jocelyn Pook.



“I love that contemporary/classical area,” says Atlas, a long time fan of Debussy, Satie and in particular, Rimsky Korsakov’s Shehezerade. “It’s something I’ve always been drawn to. But then I love my stompy dance music too. Arabic music is such a flexible genre. It really lets me do what I want.”

Tomado de My Space.

Tribal Fusión

El término “Tribal Fusion” se utiliza para describir un estilo que además de mezclar el ATS con el Belly Dance, incorpora elementos de diferentes bailes étnicos (como el hindú, el flamenco, las danzas africanas, etc.) y otras disciplinas de la danza no asociadas al Belly Dance. Como podemos ver, es un término muy amplio, bastante susceptible a la confusión, por prestarse para múltiples interpretaciones.



Se podría pensar que el término Tribal Fusion se refiere a la posibilidad de coreografiar e improvisar, ser solista o grupo manteniendo un significativo énfasis en los movimientos y la estética de la danza del vientre tribal. En otras palabras, se pueden incorporar elementos de varias danzas, pero, se denomina “Tribal Fusion” porque la mayoría de los elementos básicos que definen la Danza Tribal, son los que predominan en la ejecución del baile.

Jill Parker

A finales de la década de los 90´s, Jill Parker, integrante original de las Fat Chance Belly Dance, fundó su propia compañía de danza Ultra Gypsy enfocada hacia un estilo de danza tribal más complejo y expresivo que el ATS. Después de ocho años de ser miembro de las FCBD, ella decide desarrollar su propia versión de la danza tribal dando inicio al estilo "Tribal Fusion".

Jill, amplió el vocabulario de movimientos del ATS, extendió el formato de las FCBD tomando elementos de otras danzas. Modificó el vestuario, eliminando el turbante y el choli, haciéndolo menos recargado. La música empezó a tener un rango más amplio: Desde tradicional hasta música más moderna. El nuevo estilo propuesto por Jill Parker, produjo un gran impacto en los bailarines de este estilo y abrió las puertas a una nueva forma de tribal, mucho más creativa, expresiva y teatral.


Heather Stants

A principios del 2000 en San Diego, California, surgió la compañía "Urban Tribal Dance", dirigida por Heather Stants, cuyo estilo estaba inspirado en el hip hop y la danza moderna. Como "Urban Tribal" enfatizaba la flexibilidad y la frescura, el vestuario para Tribal Fusión tuvo que ser modificado nuevamente. Las responsables de estos cambios, fueron: Mardi Love y Melodía, miembros de esta compañía. Ambas, contribuyeron enormemente en el vestuario que se utiliza en Tribal Fusión actualmente. Mardi creó una nueva tendencia más suave y delicada en los adornos para la cabeza y los cinturones de caracoles. Melodía, diseño una línea de pantalones de danza. A partir de estas dos artistas, el vestuario en la comunidad de Tribal Fusión empezó a estandarizarse.


Rachel Brice

Otra artista que ha contribuido en este estilo es Rachel Brice. Rachel, fue la primera solista de Tribal Fusion, además, popularizó este estilo alrededor del mundo, por su técnica, sus aislamientos, control muscular y complejidad en los movimientos.

Rachel Brice empezó a tomar clases de danza del vientre (en la Compañía Hahbi´Ru) a finales de los 80´s. Durante un tiempo deja el Belly Dance para dedicarse a sus estudios de yoga, y posteriormente, lo retoma. (Rachel, inicialmente, era bailarina de danza del vientre estilo "Cabaret"). Se muda a San Francisco para estudiar danza del vientre a tiempo completo. En 2001, toma clases con Carolena Nericcio y Jill Parker. Durante un periodo muy corto, Rachel fue miembro de las Ultra Gypsy (2001).

En 2003, Rachel ya tenía algunos años de estar enseñando yoga y belly dance, cuando Janice Solimedo interesada en pertenecer a una compañía de danza, le sugiere crear una. Rachel, crea con las dos estudiantes que tenía entonces (Michelle Campbell y Ariellah Aflafo) y Janice Solimeno “The Indigo Belly Dance Company”. Es importante mencionar que, Ariellah, antes de tomar clases con Rachel, había sido alumna de Jill Parker y Janice, co-fundadora de “The Indigo”, había sido miembro de Ultra Gypsy.


The Indigo Belly Dance Company

Ariellah y Janice, se retiraron de la compañía para seguir sus carreras como solistas. Sharon Kihara (de la escuela de Suhaila Salimpour y ex alumna de Jill Parker) y Mardi Love (ex-miembro de Urban Tribal, compañía de Heather Stants) se unieron a "The Indigo". Michelle Campbell, se retira, para dedicarse a la maternidad, en el año 2005. Ese mismo año, a través de una audición, Zoe Jakes (ex-miembro de la compañía de Suhaila Salimpour y miembro de YardDog Road Show) se une a "The Indigo Dance Company".


Zoe Jakes

Las mencionadas aquí, son las artistas que iniciaron este estilo, muchas más han contribuido al desarrollo del Tribal Fusión. Este estilo es demasiado nuevo, sigue en evolución, de manera que aún faltan contribuciones por hacer y cosas por crear.


Andrea y Diane, de HILAL BELLY DANCERS

Tomado de Wikipedia.

Danza de la Serpiente

En Egipto, la Diosa Uazit, la gran diosa serpiente, era la guardiana de las regiones sagradas del reino de los muertos, símbolo de renovación y de sabiduría, a veces considerada buena y otras mala. Hay un texto grabado en el ataúd del Faraón Seti I que dice “ el alma de todos los dioses vive en las serpientes”.

Estudios realizados por el mitólogo Joseph Campell, observan culto a las serpientes en varias regiones como Grecia, India, África, Australia, Indonesia entre otras.

Actualmente en la India la serpiente sigue considerandose un animal sagrado y símbolo de suerte para los indios y adeptos del yoga. Es la serpiente de fuego que se mueve por todo el cuerpo transformando la energía sexual en energía espiritual, capaz de curar.

Muchos pasos de la Danza del Vientre se basan en los movimientos de la serpiente y sobre el baile con este animal, lo que existe son pinturas antiguas de mujeres vestidas de bailarina, tomando en su mano una serpiente.

Esa danza no es utilizada por las bailarinas árabes, se ha puesto de moda en Estados Unidos, donde se utiliza con mas frecuencia este animal en el baile.

Es importante recordar que la bailarina debe cumplir los requisitos legales y veterinarios para preservar a seguridad y el bienestar del animal.

Elementos de la danza del vientre

El velo:



Es usado en la danza oriental a comienzos del siglo xx, como accesorio. El velo representa lo oculto, lo que ocultamos de nosotras mismas. Una bailarina al dejar caer su velo, revela sus verdades y se muestra tal cual es…

La danza del velo, podemos decir, tiene dos versiones: la rápida y la lenta. La versión rápida es generalmente la que vemos en la presentación de la bailarina. En una rutina de bailarina, el comienzo de la música luego de la melodía de apertura es generalmente con el ritmo malfuf, alegre y rápido. La bailarina puede bailar y presentarse al mismo tiempo que maniobra con el velo. Cuando los pies de la bailarina casi siempre siguen el ritmo, el velo va siguiendo la melodía.

Luego, vemos la danza del velo con una música suave y tenue, nunca en un solo de percusión, también con una música clásica egipcia, pero nunca una folclórica.


El bastón:



Para interpretar la danza del bastón (Raks al Assaya), se utiliza un ritmo característico: el saidi. El bastón es un elemento característico de la danza folklórica. Originariamente, era un elemento masculino usado para caminar y defenderse, aunque las mujeres egipcias practicaban la danza del bastón acompañadas por hombres haciendo referencia a una danza marcial masculina llamada "Tahtib".


Zills:



Las bailarinas utilizan este instrumento para ayudar a los músicos en el acompañamiento rítmico de sus bailes. Los zills son metálicos, se colocan en los dedos mayor y pulgar. Estos fueron instrumentos sagrados alrededor del 1000 A.C., usados en Turquía, Arabia y Marruecos.

Candelabro:



Era utilizado tradicionalmente en los casamientos egipcios, donde la bailarina procura iluminar el camino de los novios, como una forma de traer felicidad para ellos. En esta danza de origen griego (Raks Al Shamadán), se utilizan largos vestidos parecidos a túnicas (aunque existen variantes), y el ritmo utilizado debe ser lento.

Sable:



Raks Al Sayf (danza del sable), originario de la danza marcial tradicional de Egipto, realizado por hombres. Implica balancear el objeto sobre la cabeza, cadera, vientre, hombros. No existe mucha documentación que indique que la danza del sable bailada por mujeres sea común, salvo algunas pinturas.

Daga:



Representa a la muerte, la transformación y el sexo, era una reverencia a la Diosa Selkis, la reina de los escorpiones. La odalisca entra con la daga escondida y en el medio de la danza la revela bailando siempre envuelta por un aire misterioso. El uso de armas en danza lo podemos ver sobre todo en el “Raks Gothique” o danza oriental de estilo gótico.

Jarrón:



Es utilizado en la danza folklórica, la bailarina representa la rutina de los beduinos, que caminan de su tienda hasta el oasis, donde descansa, se refresca, busca agua y retorna a su tienda.

Alas de Isis:



Un elemento recientemente incorporado a la danza árabe. Se denominan así por la influencia faraónica de la Diosa egipcia Isis, representada con brazos alados simbolizando a la Madre protectora. Lo mismo que los velos, bailar con Alas de Isis requiere destreza y práctica, ya que los movimientos deben ser suaves y los brazos deben haber adquirido la soltura suficiente para dar la impresión de que flotan en el aire y de que, claro, el elemento no pesa nada, sino que flota también. La música lleva muchos instrumentos de viento,el ritmo de la melodía puede ser mas rápido o más lento, dependiendo, es una danza que realiza muchas vueltas, giros y desplazamientos.

Otros elementos:



Abanicos de fuego, dedos de fuego, flores de loto (velas) y abanicos de velo.

La Danza Oriental en la Línea del Tiempo

La Danza Oriental en la Línea del Tiempo I

24,000-22,000 AC • Era del Paleolítico. La Venus de Willendorf, Austria, es cincelada en piedra.


Venus de Willendorf

15,000-10,000 AC • La Venus de Lassel, France, es cincelada en piedra para guarda la entrada a la cueva de la Gran Madre Diosa.

7,250–6,250 AC • Las primeras sociedades matriarcales. La más antigua de estas comunidades neolíticas, Catal Huyuk, fue localizada hoy en día en Anatolia, Turquía, y adoraban la fertilidad femenina. Estas comunidades tenían un gran desarrollo de formas artísticas, incluido el uso de espirales, formas de pájaros y zig zags como expresiones simbólicas de escritura.

6,800 AC • Se encuentran figures en Iraq. El antiguo pueblo de Mesopotamia se encuentra en Jarmo, en la frontera entre Iraq e Irán. Se descubren evidencias de domesticación animal y cultivo de cosechas.

5500 AC • Sociedades agricultoras neolíticas relacionan la fertilidad de los cultivos con una diosa, la Gran Madre.

5000 AC • Aparecen pinturas de bailarinas en las tumbas.

4000 AC • La evidencia sugiere que las culturas dominadas por hombres derrocan a las sociedades matriarcales.

3200 AC • Textos de Inanna, Reina del Cielo (aka Ishtar) en escritura sumeria cuniforme.


Inanna

3000-1400 AC • Cultura Minoana de la Antigua Grecia. Creían que los dioses inventaron la danza; medio para cultivar tanto el cuerpo como el alma. La danza, al igual que la escritura, la música y el ejercicio físico era obligatoria en el sistema de educación, y los guerreros espartanos bailaban para preparar las batallas.

2550 AC • Domesticación del gato.

2300 AC • Actos de amor sagrado se practican ampliamente como un símbolo de devoción a La Diosa.

1800 AC • Fin de la era de dominio matriarcal en Egipto.

1486-1468 AC • La Reina Hatshepsut gobierna como faraón en Egipto.


Reina Hatshepsut

1500 AC • Conquistadores egipcios importan y exportan bailarinas con otros países.

1200 AC a 323 AC • La Cultura Griega Clásica.

1270 AC • Historia de Sansón y Dalila.


Sansón y Dalila

800 AC • Homero escribe la Ilíada y la Odisea sobre la Guerra de Troya.

753 AC • Imperio Romano

960 AC • Salomón se convierte en rey de Israel. Adora a Jehovah y a la Diosa. Tenía 700 esposas y 300 concubinas.

563 AC • Nace Buda.

500 AC • En Cartago se usan crótalos fenicios.

323 AC • Muere Alejandro Magno. Era un rey de Macedonia que consiguió el gobierno de Egipto. Estableció la ciudad de Alejandría y se proclamó a sí mismo faraón. Reconstryó los templos que habían destruido los persas. Sólo reinó 9 años. Los sacerdotes griegos tomaron los templos de Egipto y cambiaron la imagen de la diosa Hator por la suya de Afrodita.

384-322 AC • Aristóteles desarrolló su elaborada literatura sobre la teoría de la danza. Pionero de los antiguos griegos al acercamiento lógico a la danza, clasificando sus elementos.

300 AC • Bailarinas viajan con el ejército persa.

La Danza Oriental en la Línea del Tiempo II

241-218 AC • En Roma se hace popular el bailar con ‘castañuelas’.

206 AC-220 DC • Se sabe que el laúd, instrumento de orquesta de la Arabia moderna, se utilizó en esta época.



60 AC • Los romanos importan bailarinas de Siria.

20 AC-100 DC • Los romanos escriben el Gaditae — bailarinas de la colonia fenicia de Gades (entonces parte del Imperio Romano, Cadiz hoy en día en España).


Gaditae

28 • Herodes le ofrece a Salomé cualquier cosa a cambio de que baile para él. Ella reclama la cabeza de Juan el Bautista.

206 • Papiros confirman la existencia en Egipto de un grupo organizado de bailarinas.

300 • Se comienzan a cerrar los templos dedicados a diosas bajo el mandato del emperador Constantino. En el siglo IV, el Cristianismo es la única religión tolerada en el Imperio Romano.

415 • La filósofa Hypatia, considerada una de las mujeres más inteligentes, hija del matemático Theon, y mujer del filósofo Isidoro. Escribió grandes trabajos, que provocaron la envidia de varios de sus colegas-hombres cristianos de Alejandría, quienes la golpearon brutalmente, asesinaron, mutilaron y quemaron. Fue la última de las bibliotecarias alejandrinas.


Hypatia

450 • El Partenón de la Acrópolis, santuario de la religión de la Diosa, es adoptado por la Iglesia cristiana.

500 • Cierre del último templo a las diosas.

527 • Una famosa bailarina oriental, actriz y supuestamente cortesana, se convierte en la Emperatriz Teodora, esposa del emperador bizantino Justiniano. Dentro del gobierno bizantino, creo leyes protegiendo los derechos de las mujeres. Los bizantinos convertidos estaban acostumbrados a bailar como parte central de su adoración, así que la iglesia tuvo que incorporar sus danzas como parte de los rituales cristianos, así como tuvo que hacer con ciertos mitos, símbolos, y días sagrados que precedían a Cristo. Hay constancia de la danza en esta época recogidas en esculturas y miniaturas, pero no en la escritura.


Emperatriz Teodora

572 • Nace Mahoma, profeta del Islam y mensajero de Alá.

622 • Mahoma defiende que solo Alá es el creador. Se casa con varias mujeres. Comienza la conquista musulmana.

630 • Mahoma destruye ídolos paganos y estatuas de la Diosa en la Meca.

632 • Muerte de Mahoma.

690 • Los árabes invaden África del Norte. La reina berebere Dahia Al-Kahina, es una fiera guerrera-sacerdotisa de las montañas del este de Algeria. Lideró una exitosa resistencia durante muchos años. En el año 701, los norteafricanos fuero defendidos hasta en su lecho de muerte, donde dio instrucciones a las tribus de adoptar el islamismo. Los bereberes, hasta el día de hoy, mantienen sus antiguas tradiciones tribales en paralelo con el Islam.


Dahia Al-Kahina

786 • Haroun er' Rashed, héroe de los cuentos de las 1001 Noches, se convierte en califa de Bagdad. La Famila Barameke alega ser antepasada de las Gawazee (gitanas del desierto).

950 • Mujeres de un harén de China inventan los juegos de cartas.


La Danza Oriental en la Linea del Tiempo III

1096-1300 • Las cruzadas cristianas europeas vs. los musulmanes de Medio Oriente. Los soldados cristianos traían bailarinas orientales, que influenciaron en las danzas europeas.

1231 • Comienza la Inquisición española.

1300 • Lal Ded, también conocida como Lalah de Cashemir, alcanzó un estado de iluminación, tiró toda su ropa, cantó, bailó y recitó poesía. Fue muy querida por el pueblo y aceptaron su desnudez. Se dice que hay dos cosas que la gente de Cashemir conocen: Alá y Lalah.


Lal Ded

1489 • El ballet se originó en Italia como una danza propia de hombres.

1492 • La reina Isabel de Castilla expulsa a los moros de España.

1500 • El Flamenco como danza surge cuando los moros y otras minorías se esconden de su persecución en las zonas montañosas del sur de España.

1500-1600 • Construcción del Palacio de Topkapi en Estambul (Constantinopla). En él, se agrupan varias bailarinas que son traídas para entretener a las mujeres del harén.


Palacio de Topkapi, Estambul

1581 • El ballet se desarrolla en Francia.

1643-1715 • El ballet alcanza su cumbre en la corte del Rey Luis XIV. El primer ballet femenino se introduce en 1681.

1789 • G.W. Brown informa del florecimiento de las bailarinas Ghawazee como parte de la sociedad egipcia.

1832 • Las bailarinas Ghawazee del Cairo desaparecen y las Essne Khawals toman su lugar en la danza pública.

1836 • Edward Lane publica Costumbres de los Egipcios Modernos; comparando las danzas Ghawazee con las danzas gaditanas que describieron los romanos.


Edward Lane con traje egipcio.

1851 • Bailarinas Orientales aparecen en una exhibición en el Palacio de Cristal de Londres; la Reina Victoria es presentada.

1868-1928 • Loie Fuller, nacida en Fullersville, Illinois, se convierte en líder en la popularización del arte de la danza; los más característico de su danza es la iluminación experimental, el vestuario y los grandes velos. Sobre todo, actuó en Europa. Loie Fuller , Ruth St Dennis e Isadora Duncan serían famosas por ser las americanas innovadoras del nuevo movimiento de la danza moderna.



1876 • Centenario de los EEUU; la Exhibición Internacional de las Artes. El espectáculo incluía una bailarina turca y animadores nativos de Algeria. Puede que fuese la primera vez que se vio danza oriental en América.

1878 -1927 • Isadora Duncan, nacida en California, populariza en arte de la libre expresión en la danza usando temas relacionados con la naturaleza y la antigua Grecia. Bailaba descalza.


Isadora Duncan

1893 • Sol Bloom trae un pueblo de Algeria a la feria mundial de Chicago. Aparece el término “danza del vientre”. El público se fascina mientras que los censores se encolerizan. Se dijo que una bailarina llamada Little Egypt salvó la feria de la ruina financiera. La iglesia se escandalizó.

1893-1990 • Movimientos de la danza oriental se incorporan a los striptease y viceversa.

1906 • Ruth St Denis (1879-1968) Nacida en New Jersey. Fue una pionera en la danza moderna en America y Europa. Esto marca el comienzo de sus famosos recitales inspirados en el arte y religión de Egipto, la India, Turquía y Asia.


Ruth St Denis

1915 • El explorador Theodore Pedersen se aventura en Siberia y realiza una de sus primeras películas. El trabajo recoge mujeres ancianas llevando cinturones en las caderas y bailando en un bosque moviendo las caderas después de tomar setas alucinógenas.

1915 • El Tango se desarrolla en Sudamérica como un derivado del Flamenco español, el Tangano africano e influencias cubanas.

1920 • Las mujeres ganan el voto.

1922 • La americana Josephine Baker presenta en los escenarios un nuevo estilo de danza, que no fue aceptado en América por racismo hasta 1973. Pero en París se convirtió en una sensación y estuvo bailando durante 50 años hasta que murió en 1975.


Josephine Baker

1922 • El final de la 1ª Guerra Mundial marca el final del Imperio Otomano. Kamel Ataturk comienza la modernización de Turquía separando iglesia y estado. Los derviches, adivinos, magos y ocultistas estaban prohibidos. La ley aprueba el requerido Hajab (el velo cubriendo a las mujeres) al igual que el fez y el turbante para los hombres.

1927 • Badia Masabni funda la Cairo Opera en Egipto; presenta a Tahia Kirk y a Samia Gamal.

1936-1952 • Durante el reinado del rey Farouk, Tahia Carioca se convierte en la bailarina oriental más famosa del mundo.


Tahia Carioca

1940s • Fadil Attrache y Abdul Wahab escriben música. Auge de muchas bailarinas famosas: Tahia Karioka, Samia and Nadia Gamal, Naema Akef, Nelly Masloom, Badia . . .


Samia Gamal

1954 • Jamila Salimpour (conocida como la madre de la danza del vientre en América) comienza enseñando danza oriental con un fonógrafo.


Jamila Salimpour

1959 • La compañía de danza Reda Dance se funda en el Cairo.

1966 • Suhaila Salimpour nace de Jamila Salimpour. Sigue los pasos de su madre pero cultiva su propio estilo.


Suhaila Salimpour

1970 • Miembros del movimiento de liberación de la mujer exponen que la danza del vientre trata a las mujeres como objetos sexuales, manifestándose ante estudiantes de Jamila Salimpour; mientras, en señal de apoyo, otras mujeres quemaban sus sujetadores y se inscribían en cursos de danza oriental.

1972 • Bob Zalot, California, funda la revista “Habibi”.

1975 • Ibrahim Farrah funda la publicación “Arabesque.”

1975-1985 • Surgen muchas bailarinas famosas, se publican revistas especializadas, se graban videos para aprender a bailar, se realizan concursos de danza oriental, etc. Comienza de nuevo un auge en esta sagrada danza.

1987 • Carolina Nericcio da a luz el estilo de danza oriental "Tribal Americano". Desarrolla una única y espontánea coreografía donde una líder guía a un grupo de bailarinas mediante señales. El nombre del grupo es "Fat Chancee Belly Dance". El vestuario se compone de grandes joyas de plata antigua y monedas de Afganistán, borlones de lana, faldas de vuelo, bombachos y turbantes decorados. La piel de la bailarina luce tatuajes reales o de henna.


Carolina Nericcio

1989 • Gaby Oftring de Alemania crea el programa “Danza del vientre en el Embarazo”, donde expone las ventajas de esta danza antes y después del parto.

2000-2009 • La danza del vientre alcanza un nuevo grado de popularidad en la cultura alrededor del mundo.

Sobre el origen de la danza del vientre

El origen exacto de esta forma de baile es motivo de constante debate entre quienes se interesan por esta danza, debido principalmente a la escasa investigación llevada a cabo al respecto. La mayoría de los estudios los han realizado las propias bailarinas, en un intento por entender sus orígenes. No obstante, suele pasarse por alto que gran parte de la danza en Oriente Medio surge en el contexto social, no tanto en el de las representaciones en cabarets a cargo de bailarinas profesionales, entorno éste más visible y glamouroso. Esto ha provocado una importante confusión en cuanto a la verdadera naturaleza de este baile, dando lugar a teorías contradictorias en un intento por explicar sus orígenes.

Estas son algunas de las teorías existentes:

1. Desciende de las danzas del antiguo Egipto.
2. Procede de un baile de tipo religioso que practicaban antiguamente las sacerdotisas de los templos.
3. Formaba parte de las prácticas tradicionales de alumbramiento en la/s region/es de origen.
4. Se había extendido gracias a las migraciones de los pueblos gitanos y de grupos similares, de origen hindú.



De todas ellas, rara vez se hace alusión a la primera, a pesar de que cuenta con el apoyo de personalidades como el bailarín egipcio Doctor Mo Geddawi promocionándola. El principal apoyo de esta teoría tiene su explicación en las semejanzas entre las poses del arte egipcio y los movimientos del baile en su vertiente moderna.

La teoría más conocida es la que la asocia con un baile religioso, a la que se suele hacer referencia en los principales artículos sobre el tema y que goza de mayor publicidad.

La teoría que la asocia a las "prácticas de alumbramiento" en virtud de una serie de movimientos del Raqs Sharqi moderno. Es refrendada y extendida por el bailarín marroquí y aficionado a la antropología conocido también como Carolina Varga Dinicu y tiene que ver con la revisión de los movimientos que se han venido utilizando para ilustrar o facilitar el alumbramiento. A pesar de que dicha teoría carece de un "punto de origen", sí que cuenta con numerosas referencias históricas de tipo oral, además de que aparece citada en un comentario de la obra The Dancer of Shamahka.



Dos cuestiones sugieren la danza gitana como su origen. Se cree que los pueblos gitanos y otros grupos humanos similares, pudieron importar esta forma de baile en sus desplazamientos o adoptarlo sobre la marcha y difundirlo. Gracias a la fusión de las formas gitanas de baile con el Raqs Sharqi, estas teorías disfrutan de mayor popularidad en Occidente de la que tendrían necesariamente en sus países de origen - si bien esto puede deberse en parte a los prejuicios existentes sobre estos pueblos.



Sea cual sea el origen, la danza posee una larga tradición en Oriente Medio y de África del Norte. A pesar de las restricciones que impone el Islam en cuanto a la representación pictórica de seres humanos, existen algunas muestras de ello en todo el mundo islámico. Libros como The Art and Architecture of Islam 650-1250 muestran imágenes de las bailarinas en muros palaciegos, al igual que sucede con las pinturas en miniatura persas de los siglos XII y XIII.

Fuera de Oriente Medio y de África del norte , el baile del raqs sharqi se hizo popular durante el movimiento romántico de los siglos XVIII y XIX, con la representación que los artistas orientalistas hacían de la vida de harén del Imperio Otomano. En esa época, bailarinas de distintos países del medio oriente comenzaron a mostrar estas danzas en distintas Ferias Universales, a menudo atrayendo casi más público que la propia exhibición tecnológica. Los comienzos del cine recogen a algunas de estas bailarinas, como es el caso de la película "Fatima's Dance", de amplia distribución en las salas de la época. Sin embargó se ganó fuertes críticas por su "indecencia", llegando finalmente incluso a censurarse por presión popular.


Fátima's Dance

Algunas mujeres occidentales comenzaron a aprender e imitar la danza de Oriente Medio, que en aquel momento era objeto de colonización por parte de naciones europeas. El ejemplo más conocido es de Mata Hari, que a pesar de fingir ser una bailarina de la Isla de Java, se acercaba más a las formas de danza del medio oriente que a las de Indonesia. Por este y otros motivos, a principios del siglo XX, en América y Europa la idea popular llevaba a dar por supuesto que estas bailarinas eran mujeres de moral dudosa.


Mata Hari

Históricamente, en la mayoría de los bailes vinculados a la danza oriental había separación de sexos; los hombres con los hombres y las mujeres con las mujeres. Hay pocas muestras de baile mixto. Esta práctica pretendía garantizar que una "buena" mujer no fuera vista bailando con nadie que no fuera su marido, su familia más cercana o sus amigas.

Hoy en día, la separación de sexos no se practica de forma tan estricta en las zonas urbanas y en ocasiones tanto hombres como mujeres salen y bailan en reuniones sociales de tipo mixto con amigos íntimos. No obstante, a pesar que este baile social en circunstancias aceptables se considera correcto e incluso se fomenta, para muchos en Oriente Medio y el Norte de África consideran que las actuaciones con bailarines profesionales con trajes provocativos y para un público mixto es algo moralmente cuestionable. Algunos llegan hasta el punto de sugerir que se prohíban esta clase de representaciones.

Puesto que el lugar en el que suele desarrollarse este baile suelen ser establecimientos nocturnos, unido a la proliferación de grabaciones en vídeo y DVD de famosas bailarinas, es esta versión mundana de la danza en lugar de la social o folclórica la que goza de mayor popularidad.



Tomado de Wikipedia.

Whatever Lola Wants