viernes, 20 de febrero de 2009

Natacha Atlas... sin duda, mi cantante favorita.


Natacha Atlas (1964-), cantante belga, hija de un hombre de origen egipcio y de una mujer inglesa. Su estilo mezcla música de oriente medio (con algunas incursiones en la música tradicional de norte de África) con ritmos electrónicos europeos.

En su primer álbum Diáspora (1995) colabora con el cantante tunecino Walid Rouissi y el compositor egipcio Essam Rashad.


Diaspora, 1995
Halim, 1997,
Gedida, 1999
C'est la vie, 1999
The remix collection
Ayeshteni, 2001,
Foretold in the language of dreams
Something dangerous, 2003
Best of Natacha Atlas, 2005
DVD Natacha Atlas - Transglobal Underground, 2005
Mish Maoul, 2006, "Mish maoul" Increíble o No me lo puedo creer"
Ana Hina, 2008, Estoy Aquí

Tomado de Wikipedia.


Musically and geographically, Natacha Atlas has always been an itinerant. The Anglo-Egyptian singer has spent more than a decade fusing electronic beats with North African and Arabic music, finding links between seemingly disparate musical genres, exploring new and different sonic settings and working with a wealth of like-minded collaborators from across the world along the way. The resulting body of work is both a triumph of true multiculturalism and a testament to the richness and accessibility of Arabic culture. It is, indeed, an oeuvre unlike any other.

Presiding over it all, of course, is Atlas’s extraordinary voice. Meltingly sensuous and gloriously passionate, delicate with melisma and microtones, it bridges Middle Eastern and Western styles with instinctive ease. Ana Hina, then, is the album we’ve been waiting for: a contemporary classical affair that places this god-given instrument centre stage. A throwback to Arabic music’s Golden Era of the late 1950s and 60s, to the sounds and idols that shaped Atlas’s youth. An album that looks to the past while imagining the future, buoyed by some of the best classical and traditional musicians working today.


The daughter of a neurology lecturer of Egyptian descent and an English (occasional) costume designer, Atlas was born in Belgium and grew up in a Moroccan suburb of Brussels, becoming (semi) fluent in French, Arabic, Spanish and English and studying singing and the raq sharki (belly dancing) techniques she uses to dramatic effect today. Her paternal grandfather had shortened the family name, El Atlasi, on arriving in Europe: “I have ancestry in Morocco further back than Egypt,” she says in her clipped London vowels. “But that name is also found in Syria and Lebanon.”

Her father’s large LP collection ranged from Middle Eastern sounds to occidental classical (“My mum was more into Led Zeppelin”). The house she shared with her brother and sister swayed to the unmistakeable voices of Egyptian diva Oum Kalsoum, the Lebanese tenor Wadi El Safi and Lebanon’s beloved Fairuz, the latter interpreting material written for her by the Rahbani Brothers. “I just loved the Fairuz/Rahbani style of music because it was a fusion. The Rahbanis had studied both Western and Arabic music and were fusing them way before I was born. It just made sense to me.”

Later, when at boarding school in Sussex, England after her parents’ divorce Atlas nurtured an early teenage crush on Abdel Haleem Hafiz, the hugely popular Egyptian singer, actor and heartthrob who died, aged 47, in 1977. Aged 16 she moved with her mother to Northampton for two years – becoming the city’s first Arabic rock star – then started travelling to countries including Greece, Turkey and across the Middle East, looking up relatives and soaking up inspiration. For a while she shuttled between the UK and Brussels, singing in a range of Arabic and Turkish nightclubs and even a Belgian salsa band.

That voice couldn’t help but attract attention. In 1991 she guested with two very different artists – Balearic beat crew ¡Loca! and the now mythic Jah Wobble, who was assembling his new band, Invaders of the Heart - that would cement her reputation. Timbal by ¡Loca!, a track on a Nation Records compilation, became a massive club hit, Wobble's album Rising Above Bedlam - five tracks which Natacha co-wrote – got a Mercury award nomination. The progressive Nation Label introduced her to TransGlobal Underground, the London-based multicultural collective who signed her up as lead singer then, in tandem, pushed her to embark on a solo career.


TGU’s Tim Whelan, Hamid Mantu and Nick Page (aka Count Dubulah) were key in co-creating Atlas’s 1995 debut, Diaspora. Combining TGU’s dubby, beats-driven dance hybrid with traditional Arabic fair, its songs of love and loss signalled the arrival of a major new talent. Halim followed in 1997 and her breakthrough disc, Gedida, in 1999. Gedida’s Arabic-style version of Mon Amie La Rose, the song made famous by French icon Francoise Hardy, hit the Top Ten in France and won her Best Female Singer at the Victoire de la Musique awards. 2000’s The Remix Collection saw tracks from her previous three reworked by the likes of Talvin Singh and Youth.

Her fourth album, 2001’s Ayeshteni, boasted a belting rendition of Screaming Jay Hawkins’ I Put A Spell On You (made famous by Nina Simone) that remains a live favourite. There have been other English language covers – James Brown’s It’s A (Man’s Man’s) Man’s World and now, on Ana Hina, a gorgeous interpretation of another Nina Simone cover, Black Is the Colour – along with a couple of James Bond themes. Her songs have appeared on soap operas in Egypt; though based largely in the UK (in a house in Ongar, Essex she’s customised with Egyptian friezes) she has a room in her best girlfriend’s home in Cairo and visits whenever she can.


“I shapeshift as soon as I arrive,” she says with a smile. “My personality almost does a 180 degree turn. I get up late, lie around watching black-and-white films on the Rotana TV channel, go out to shisha bars with friends.”

Determined to push herself in new and different directions, in 2002 Atlas released the shimmering, ambient Foretold in the Language of Dreams with the composer Marc Eagleton and qanun master Abdullah Chadeh. “I don’t like to be constricted or told what to do. And anyway, you can’t keep doing the same old thing.” She changed direction again with 2003’s urgent, upbeat Something Dangerous – an album that embraced everything from rap, drum ‘n’ bass and dance music to R&B, Hindi pop and French chanson – which saw her singing in Arabic, English, Hindi and French. 2006’s rumbling, rootsy Mish Maoul, which delved deeply into her Egyptian roots.

And always, collaborations. Atlas’s list of allies include artists as varied as singers Sinead O’Connor and Sarah Brightman, the avante garde classical composer Jocelyn Pook, the prolific British Asian visionary Nitin Sawhney and the multi instrumentalist and musical director of Ana Hina, Harvey Brough. Along with stalwarts such as Transglobal Underground (whose albums have never resisted the lure of her siren-like vocals), Jah Wobble and her old TGU mockers Neil Sparks and Count Dubulah. All of whom are part of a loose cadre of largely UK-based collaborators who turn up not just on Atlas’s albums, but on each other’s. “That’s the great thing about being based in the UK. There are all these invisible threads connecting people.”

Atlas tends to think in projects. After the remarkable Ana Hina – “Which shows the Western public that actually, Arabic composers have been fusing music, East and West, a lot longer than I have” – will come another, as yet-untitled electric album (which sees her singing in Arabic, English French, Hindi, Spanish) in cahoots with TGU and Birmingham/Bollywood outfit Flavasia. There’ll be a Latin-tinged album with Marc Eagleton and Congolese singer/songwriter Lokua Kanza and further down the track, a contemporary/classical album with Jocelyn Pook.


“I love that contemporary/classical area,” says Atlas, a long time fan of Debussy, Satie and in particular, Rimsky Korsakov’s Shehezerade. “It’s something I’ve always been drawn to. But then I love my stompy dance music too. Arabic music is such a flexible genre. It really lets me do what I want.”

Tomado de My Space.

jueves, 12 de febrero de 2009

Tribal Fusión


El término “Tribal Fusion” se utiliza para describir un estilo que además de mezclar el ATS con el Belly Dance, incorpora elementos de diferentes bailes étnicos (como el hindú, el flamenco, las danzas africanas, etc.) y otras disciplinas de la danza no asociadas al Belly Dance. Como podemos ver, es un término muy amplio, bastante susceptible a la confusión, por prestarse para múltiples interpretaciones.


Se podría pensar que el término Tribal Fusion se refiere a la posibilidad de coreografiar e improvisar, ser solista o grupo manteniendo un significativo énfasis en los movimientos y la estética de la danza del vientre tribal. En otras palabras, se pueden incorporar elementos de varias danzas, pero, se denomina “Tribal Fusion” porque la mayoría de los elementos básicos que definen la Danza Tribal, son los que predominan en la ejecución del baile.

Jill Parker

A finales de la década de los 90´s, Jill Parker, integrante original de las Fat Chance Belly Dance, fundó su propia compañía de danza Ultra Gypsy enfocada hacia un estilo de danza tribal más complejo y expresivo que el ATS. Después de ocho años de ser miembro de las FCBD, ella decide desarrollar su propia versión de la danza tribal dando inicio al estilo "Tribal Fusion".

Jill, amplió el vocabulario de movimientos del ATS, extendió el formato de las FCBD tomando elementos de otras danzas. Modificó el vestuario, eliminando el turbante y el choli, haciéndolo menos recargado. La música empezó a tener un rango más amplio: Desde tradicional hasta música más moderna. El nuevo estilo propuesto por Jill Parker, produjo un gran impacto en los bailarines de este estilo y abrió las puertas a una nueva forma de tribal, mucho más creativa, expresiva y teatral.

Heather Stants

A principios del 2000 en San Diego, California, surgió la compañía "Urban Tribal Dance", dirigida por Heather Stants, cuyo estilo estaba inspirado en el hip hop y la danza moderna. Como "Urban Tribal" enfatizaba la flexibilidad y la frescura, el vestuario para Tribal Fusión tuvo que ser modificado nuevamente. Las responsables de estos cambios, fueron: Mardi Love y Melodía, miembros de esta compañía. Ambas, contribuyeron enormemente en el vestuario que se utiliza en Tribal Fusión actualmente. Mardi creó una nueva tendencia más suave y delicada en los adornos para la cabeza y los cinturones de caracoles. Melodía, diseño una línea de pantalones de danza. A partir de estas dos artistas, el vestuario en la comunidad de Tribal Fusión empezó a estandarizarse.

Rachel Brice

Otra artista que ha contribuido en este estilo es Rachel Brice. Rachel, fue la primera solista de Tribal Fusion, además, popularizó este estilo alrededor del mundo, por su técnica, sus aislamientos, control muscular y complejidad en los movimientos.

Rachel Brice empezó a tomar clases de danza del vientre (en la Compañía Hahbi´Ru) a finales de los 80´s. Durante un tiempo deja el Belly Dance para dedicarse a sus estudios de yoga, y posteriormente, lo retoma. (Rachel, inicialmente, era bailarina de danza del vientre estilo "Cabaret"). Se muda a San Francisco para estudiar danza del vientre a tiempo completo. En 2001, toma clases con Carolena Nericcio y Jill Parker. Durante un periodo muy corto, Rachel fue miembro de las Ultra Gypsy (2001).

En 2003, Rachel ya tenía algunos años de estar enseñando yoga y belly dance, cuando Janice Solimedo interesada en pertenecer a una compañía de danza, le sugiere crear una. Rachel, crea con las dos estudiantes que tenía entonces (Michelle Campbell y Ariellah Aflafo) y Janice Solimeno The Indigo Belly Dance Company”. Es importante mencionar que, Ariellah, antes de tomar clases con Rachel, había sido alumna de Jill Parker y Janice, co-fundadora de “The Indigo”, había sido miembro de Ultra Gypsy.

The Indigo Belly Dance Company

Ariellah y Janice, se retiraron de la compañía para seguir sus carreras como solistas. Sharon Kihara (de la escuela de Suhaila Salimpour y ex alumna de Jill Parker) y Mardi Love (ex-miembro de Urban Tribal, compañía de Heather Stants) se unieron a "The Indigo". Michelle Campbell, se retira, para dedicarse a la maternidad, en el año 2005. Ese mismo año, a través de una audición, Zoe Jakes (ex-miembro de la compañía de Suhaila Salimpour y miembro de YardDog Road Show) se une a "The Indigo Dance Company".

Zoe Jakes

Las mencionadas aquí, son las artistas que iniciaron este estilo, muchas más han contribuido al desarrollo del Tribal Fusión. Este estilo es demasiado nuevo, sigue en evolución, de manera que aún faltan contribuciones por hacer y cosas por crear.

Andrea y Diane, de HILAL BELLY DANCERS

Tomado de Wikipedia.

lunes, 9 de febrero de 2009

Danza de la Serpiente


En Egipto, la Diosa Uazit, la gran diosa serpiente, era la guardiana de las regiones sagradas del reino de los muertos, símbolo de renovación y de sabiduría, a veces considerada buena y otras mala. Hay un texto grabado en el ataúd del Faraón Seti I que dice “ el alma de todos los dioses vive en las serpientes”.

Estudios realizados por el mitólogo Joseph Campell, observan culto a las serpientes en varias regiones como Grecia, India, África, Australia, Indonesia entre otras.

Actualmente en la India la serpiente sigue considerandose un animal sagrado y símbolo de suerte para los indios y adeptos del yoga. Es la serpiente de fuego que se mueve por todo el cuerpo transformando la energía sexual en energía espiritual, capaz de curar.

Muchos pasos de la Danza del Vientre se basan en los movimientos de la serpiente y sobre el baile con este animal, lo que existe son pinturas antiguas de mujeres vestidas de bailarina, tomando en su mano una serpiente.

Esa danza no es utilizada por las bailarinas árabes, se ha puesto de moda en Estados Unidos, donde se utiliza con mas frecuencia este animal en el baile.

Es importante recordar que la bailarina debe cumplir los requisitos legales y veterinarios para preservar a seguridad y el bienestar del animal.

martes, 3 de febrero de 2009

Elementos de la danza del vientre

El velo:


Es usado en la danza oriental a comienzos del siglo xx, como accesorio. El velo representa lo oculto, lo que ocultamos de nosotras mismas. Una bailarina al dejar caer su velo, revela sus verdades y se muestra tal cual es…

La danza del velo, podemos decir, tiene dos versiones: la rápida y la lenta. La versión rápida es generalmente la que vemos en la presentación de la bailarina. En una rutina de bailarina, el comienzo de la música luego de la melodía de apertura es generalmente con el ritmo malfuf, alegre y rápido. La bailarina puede bailar y presentarse al mismo tiempo que maniobra con el velo. Cuando los pies de la bailarina casi siempre siguen el ritmo, el velo va siguiendo la melodía.

Luego, vemos la danza del velo con una música suave y tenue, nunca en un solo de percusión, también con una música clásica egipcia, pero nunca una folclórica.

El bastón:


Para interpretar la danza del bastón (Raks al Assaya), se utiliza un ritmo característico: el saidi. El bastón es un elemento característico de la danza folklórica. Originariamente, era un elemento masculino usado para caminar y defenderse, aunque las mujeres egipcias practicaban la danza del bastón acompañadas por hombres haciendo referencia a una danza marcial masculina llamada "Tahtib".



Las bailarinas utilizan este instrumento para ayudar a los músicos en el acompañamiento rítmico de sus bailes. Los zills son metálicos, se colocan en los dedos mayor y pulgar. Estos fueron instrumentos sagrados alrededor del 1000 A.C., usados en Turquía, Arabia y Marruecos.



Era utilizado tradicionalmente en los casamientos egipcios, donde la bailarina procura iluminar el camino de los novios, como una forma de traer felicidad para ellos. En esta danza de origen griego (Raks Al Shamadán), se utilizan largos vestidos parecidos a túnicas (aunque existen variantes), y el ritmo utilizado debe ser lento.



Raks Al Sayf (danza del sable), originario de la danza marcial tradicional de Egipto, realizado por hombres. Implica balancear el objeto sobre la cabeza, cadera, vientre, hombros. No existe mucha documentación que indique que la danza del sable bailada por mujeres sea común, salvo algunas pinturas.



Representa a la muerte, la transformación y el sexo, era una reverencia a la Diosa Selkis, la reina de los escorpiones. La odalisca entra con la daga escondida y en el medio de la danza la revela bailando siempre envuelta por un aire misterioso. El uso de armas en danza lo podemos ver sobre todo en el “Raks Gothique” o danza oriental de estilo gótico.



Es utilizado en la danza folklórica, la bailarina representa la rutina de los beduinos, que caminan de su tienda hasta el oasis, donde descansa, se refresca, busca agua y retorna a su tienda.

Alas de Isis:


Un elemento recientemente incorporado a la danza árabe. Se denominan así por la influencia faraónica de la Diosa egipcia Isis, representada con brazos alados simbolizando a la Madre protectora. Lo mismo que los velos, bailar con Alas de Isis requiere destreza y práctica, ya que los movimientos deben ser suaves y los brazos deben haber adquirido la soltura suficiente para dar la impresión de que flotan en el aire y de que, claro, el elemento no pesa nada, sino que flota también. La música lleva muchos instrumentos de viento,el ritmo de la melodía puede ser mas rápido o más lento, dependiendo, es una danza que realiza muchas vueltas, giros y desplazamientos.

Otros elementos:


Abanicos de fuego, dedos de fuego, flores de loto (velas) y abanicos de velo.